メンデルスゾーン・エフェクトリウム: オーケストラをコントロールする方法(Liveで)

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メンデルスゾーン・エフェクトリウム: オーケストラをコントロールする方法(Liveで)

メンデルスゾーン・バルトルディ博物館のエフェクトリウムを指揮する 指揮者となるための道は長く厳しいもの。何年にもわたる熱心な努力とうんざりするほど豊富な音楽の知識が必要です。ほとんどの音楽愛好家には手の届かない夢です。巨大オーケストラでタクトを振るのはどのような気分なのでしょう?名演奏家たちがあなたの指示に従ってあなたの希望通りに演奏してくれるとしたら?一般人には、コンサートホールの最前列席で音楽を楽しむのが精一杯といったところでしょう。 そこに登場するのがテクノロジー。Aconica、WHITEvoid、Bertron Schwarz Freyによる、ベルリンをベースとするコラボレーションです。このトリオは、一般客がバーチャル・オーケストラの細部と一連部分をマニピュレートできる、インタラクティブなオーディオビジュアル・インスタレーションを開発しました。「エフェクトリウム」と名付けられたこの作品は、ライプチヒのメンデルスゾーン・バルトルディ博物館に展示されています。下のビデオでは、指揮棒とデジタル楽譜を使用して、指揮者と化した来場者が本物さながらのジェスチャーでメンデルスゾーンの作品を演奏するバーチャル・オーケストラを指揮する様子をご覧いただけます。 ライプチヒのメンデルスゾーン・バルトルディ博物館のエフェクトリウムの様子 それでは、一体どのように機能しているのでしょうか。背後では、2台のコンピューターからなるシステムが、Ethernetケーブルを介してOSCメッセージをやりとりしています。1台のコンピューターはモーショントラッキング(動作追跡)ソフトウェアLEAP Motion(物理的な動きを記録し、その情報をデジタル信号に変換)、およびタッチスクリーンと一連のカスタム・スピーカーを実行します。もう1台のコンピューターは、Liveを使用し、オーディオ・ファイルと一式のコンボリューション・リバーブプラグインを保管するのに加えて、指揮のテンポに合わせて作品をワープさせます。このコンピューターには、複雑なMax for Liveパッチも用意されており、すべてを同期させる役割を担っています。タッチスクリーンに触れるとOSCメッセージがこのMaxパッチに送信され、指揮者は楽譜上を自由に移動することができ、レイテンシーやジッターが生じません。 エフェクトリウムのタッチスクリーン・インターフェース LEAPソフトウェアは、指揮者のジェスチャーのスピードをとらえ、テンポをコントロールします。タッチスクリーンは、木管楽器、金管楽器、弦楽器、合唱部、パーカッションなどのボリューム、残響特性、楽譜上の演奏部分、さらにはチューニング(伝統的コンサートピッチの430hz、または現代のスタンダードとなっている443hz)に至るまで、さまざまな可変要素に対処します。 エフェクトリウムのモーショントラッキング(動作追跡)カメラのひとつ 指揮者は、アップライト・スピーカーに取り付けられたLEDライトの色合いや明るさを変更することで、インスタレーションの雰囲気もコントロールできます。さらに、各楽器セットはそれぞれ独自のスピーカーへと送られるため、聞き手は作品の各要素を個別に聴くことができます。 このプロジェクトについて詳しくは、Aconicaウェブサイトで読むことができます。またインスタレーションはライプチヒのメンデルスゾーン・バルトルディ博物館でご覧いただけます。

Surgeon: その瞬間につながるということ

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Surgeon: その瞬間につながるということ

「Surgeon」という名は、テクノ界においてかなりの重要性を持っています。Anthony Childがこのジャンルに残した決して消えることのない功績を考えれば、それも納得です。90年代初頭にバーミンガムのテクノの巣窟House Of Godのレジデントとして登場して以来、UK出身のこのプロデューサーは、Tresor、Blueprint、Downwardsといったレーベルからのリリースで、エレクトロニック・ミュージックの1ジャンルであったテクノが人気ジャンルへと成長するのに一役買いました。Childのスタイルは目を見張るほどの正確さとまごつくような難解さがぶつかり合い、内部に秘めたロジックに応じて、めくるめくリズムの狂乱や鳥肌もののテクスチャを導き出します。 Surgeonの最新アルバム「Breaking The Frame」からの抜粋をお聞きください。 発表作品によりエレクトロニック・ミュージック界の常連となったChildですが、感情露わで極めてディテールに凝ったクラブ・パフォーマンスでも有名です。Childはサウンド・ソース間の継ぎ目を曖昧にするという手法でまったく新しい何かを生み出し、押し寄せる情報に後れを取らないよう努める聞き手を夢中にさせます。 「人々をより内省的かつより対外的な状態にさせる手段は、僕にとって非常に重要だ」Childはこう説明します。「どのような手段であれ、使用するツールに慣れれば、パフォーマーは目立たない存在となり、ツールを用いて自分を表現することになると思うんだ」 単に便利性を向上させる手段(ステージでラップトップを操るパフォーマーにしばしば向けられる批判)としてではなく、クリエイティブな発展の可能性として理解し、DJイングとライブ・パフォーマンスにデジタル技術を早くから採り入れたChildにとって、ツールは核心的なトピックです。これらを念頭に置き、Abletonはパフォーマンスの観念についてChildと意見を交わし、自身が理想とするパフォーマーとしてステージに立つのに重要な役割を果たしているAbleton Liveと彼の関係について詳しく考察しました。 Paul Damage、Sir Realと共にHouse Of Godを立ち上げた初期、Childは、2デッキ・1ミキサーという従来のセットアップに自身の厳格なスタイルを可能なかぎり適合させ、同一レコードを2コピー使用してイントロを延長し、ダンスに突入するまでの緊張感をぎりぎりまで高めるといったテクニックを使用していました。その後、いつでも自由に操作可能なトラックの数が増えるという点に興味を引かれ、Final ScratchでデジタルDJイングの世界に試験的に足を踏み入れました。それは、バイナル伝統主義者たちの反発―テクノが「テクノロジー」にその起源を持つ音楽シーンであることを考えればいささか滑稽でもありますが―を無視する、強い意思を必要とする決断でした。 制作でAbleton Liveに慣れ親しんでいたChildは、当時まだ新しかったこのソフトウェアをパフォーマンスに使用し始めます。2003年、ChildはKarl ‘Regis’ O’ConnorとのコラボレーティブなプロジェクトBritish Murder Boysをスタートさせました。ステージでは、ChildがDJイングを、O’Connorがライブ・パフォーマンスを担当していました。あるとき、Extrema(オランダで開催されている新進の音楽フェスティバル)のプロモーターが大幅に時間が短縮されたスロットを彼らに割り当てたため、用意していたパフォーマンスができなくなり、困ったChildは、Ableton Liveで素材をセットにまとめ、叫び声を上げるオーディエンスの前でAbleton Liveを使用したステージングの公開練習を行うはめになったのです。 British Murder Boys – 「Learn Your Lesson」 「あのギグはふさわしいタイミングで起こったんだ」Childはこう話します。「あのときはDJイングに関するテクノロジーの可能性をいろいろと探っていた頃で、ちょうどクオリティとテクノロジーが実用に叶うものになってきた興味深い時期だった。とてもパーソナルな決断だったし、万人向けのDJソリューションでは決してなかったけれど、僕にはぴんとくるものがあったし、大きな可能性を感じた。音を扱う方法、そしてパフォーマンスでそれを組み立てる方法にね」 経験と勘が導いたステージでのLive使用の開始から、Childのセットの強烈さと個性は高まり、彼はDJイングにおける新たな展望の真の主導者として名声を博するようになりました。彼が進んでいた道の先行きはかなり不透明なものでしたが、それも魅力のひとつだったと言います。 「自分の(Liveの)使用方法は年を追って変化している。このソフトウェアは、フレキシブルで、DJイングに特化した造りになっていないところが好きなんだ。トラックの準備にはかなりの労力が要る。選択可能な他のオプションに比べるとかなり大変だ」 選択可能なオプションが多数存在するなか、Ableton Liveを選んだSurgeonのライブを体験した者に明らかになったのは、たとえ聞き慣れた名曲であっても、切り刻んで再編成することでまったく新しい作品となることでした。最も印象的だったのは、Childがプレイ中にカスタムで調整を加えていくことでした。 Surgeonの60分間にわたるBoiler Roomミックス 「ここはという瞬間になると、エディットだけをツールとして使用してその場に対応するんだ。ブレイクダウンをスキップしたり、トラックの別のパートにジャンプしたり、別の何かをレイヤーしたりね。その場で起こっていることに瞬時に反応するのが重要なんだ。(Abletonの)システムとツールは、そういった方法でインプロヴァイズする手段を与えてくれるような気がするよ」 Childがオンラインで公開している数々のセットを比較してみれば、彼が同じトリックを決して繰り返すことがないことに気付くでしょう。40ものトラックを1時間のうちにプレイするスタイル。数千に上ることもあるオーディエンスの前で自信を持って構築するにはかなりのトラック数です。「プレイする曲についてしっかり知っておく必要があるね。そうでないと、ぼろが出て、自分が予想していたのと違ったパワーの流れになってしまう。ワープ・マーカーをトラックに置いて、波形からは分からない変化が起こった時のためのキューにしておくことも多いよ」 Surgeon by Anne Claire de Breij 手持ちのトラックをツールとして使用することに加えて、Childは、Liveを使用する利点として、必要に応じて独自のリズムや拍子をミックスに追加できる点を挙げています。「別チャンネルでAbletonのDrum Machinesにパーカッション・サウンド用のMIDIシーケンスを走らせることができる柔軟性が気に入っているよ。トラックをプレイしていて少しパワーを上げたいなと思ったとき、別のトラックをミックスしなくてもパワーを上げることができてとても便利なんだ」 Childの型破りなアプローチには、独自の技術要件が要求されます。DJイングに特化したコントロール・サーフェスの意義についての質問で、この点について彼は次のように説明しています。「DJ用コントローラーとして販売されているコントローラーに気に入るものを見つけたためしがないんだ。販売目的は理解できるけど、僕には魅力的に感じられない。僕は、レコードDJの『2デッキ1ミキサー』セットアップを真似しようとしているわけじゃないからね」...

Mason Bates: Alternative Energy

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Mason Bates: Alternative Energy

ポップ・ミュージックを聴いて育ってきた者にとって、クラシックのカノンはパラレル・ワールドのように感じられるかもしれません。音楽そのものは疑う余地のない迫力を持っていても、それに付随する決まり事や儀式には馴染みがないからです。何百年にも渡る歴史、専門用語、それに時に威圧的な「ハイ・カルチャー」のオーラが、クラシックに触れてみたいという好奇心を持つリスナーやミュージシャンを遠ざけてしまいがち。特に、端からはかなり分裂し偏狭に見えるコンテンポラリー・クラシックの世界ではなおさらです。 幸いなことに現在は、これまで顕著だったハイ/ロー・カルチャーの二分化に固執することなく、知性と五感を同等に結びつける音楽を生み出すことを目指す何人かの若手作曲家が台頭してきています。こうした新しいタイプの中でもひときわ注目を集めているのがMason Bates。受賞歴を持つ、37歳のカリフォルニアを拠点にするこの作曲家は、テクノやエレクトロニクスへの深い造詣から導かれるサウンド、リズム、テクスチャー、そしてテクニックを頻繁に用いてオーケストラや室内楽作品に生かしています。 重要なのは、彼が取り入れるエレクトロニックな要素は、安易にオーケストラを「近代化」させるための安っぽい装飾ではなく、必ず生楽器との音楽的な相互作用において意味を持つものであるということです。さらに、彼のワイルドで想像力豊かなリソースの利用方法は、それだけで完結することなく、常にもっと大きな全体の力強く明確な物語を構成する要素であるということです。この点において、Batesの音楽はBeethovenから続く音楽の進歩を受け継ぐものであり、彼はそのBeethovenと共に栄誉あるサンフランシスコ交響楽団の主軸作曲家に選ばれました。 私たちは、一年間に渡って開催された「Beethoven and Bates」フェスティバル期間中にBatesと会い、彼のエネルギーのシンフォニー、オーケストラにおけるエレクトロニクス、がらくたのパーカッション、そしてDJと指揮者の共通点について話しました。 あなたの音楽は、よく実在する場所や人、出来事に触れています。あなたの非音楽的な影響について教えて下さい。 面白いことに、かつて私は英文学を専攻していて、魔術的リアリズムやメタフィクション、あるいはポスト・モダン・フィクションが自分の音楽に直接的なインパクトを与えるとは思っていませんでした。 私はただ、それらが読書の対象として面白いものであり、自分のいい教養になるだろうとだけ考えていたのです。 作家になろうという野心を持っていたのですか? ええ、 その時点では持っていたと思います。言葉を書くことは好きでしたから。作曲をするのと同じくらいやりがいのあることだと思います。でも最終的には、自分には向いていなかった。私にはそれほど貢献出来る分野ではありませんでした。例えば「Alternative Energy」は、エネルギーの歴史における様々な通過点を訪れていく作品ですが、これはDavid Mitchellの著書で映画化もされた『クラウド・アトラス』を読んだ結果として生まれたものです。 Mason Batesによる「Alternative Energy」のリハーサルの様子 でも、何百年か前の時代にさかのぼることはインスピレーションに繋がるようです。ご存知かもしれませんが、19世紀にはBerliozの『幻想的交響曲』のような、とてもワイルドな物語を伝える巨大な標題音楽が存在していました。私は、これを21世紀の言語を使って実践することにとても刺激的を感じています。ですから、文学が一番の非音楽的影響ですね。 実際にあなたが使用しているサウンドに関してですが、 集めてきたがらくたで作ったパーカッション・セットを、「Alternative Energy」の一部で使用していますよね? はい、その通りです。私は第一楽章をHenry Fordの牧場で、誰かが自動車を組み立てているという設定にしたかったのです。ですから、私はシカゴ交響楽団のパーカッショニストと共に廃品置き場に行き、色んながらくたを拾ってきました。でもこのようなやり方は既に音楽史の中では何度も実践されており、Einsturzende Neubautenもそうですし、George Gershwinは実際の車のクラクションを使っています。ですから、生演奏でもパーカッション楽器で出来ることはいろいろあります。私の「The B Sides」という作品がありますが、その中ではほうき、オイル・ドラム、タイプライターを使用しました。私にとっては、単にそのサウンドだけでなく、パーカッション・アンサンブルに少し演劇的要素を加えることでもあります。 デトロイト交響楽団による「The B Sides」の演奏で自らエレクトロニクスを演奏するMason Bates これはミュジーク・コンクレートの、身の回りのものの音を使用するという考えを思い出させます。このムーブメントに共感することころはありますか? はい、それは間違いなく考えましたし、何かの音を録音する際にその物にも意味を持たせる手法は興味深いです。Matmosの『 A Chance To Cut Is A Chance To Cure』においても、全て外科手術の音で作られていると知ると、聴こえ方が全然変わりますから。 あなたは指揮者を介して オーケストラと仕事をしているわけですが、作曲者から指揮者へと仕事を引き継ぐ、明確な分業の境界線はあるのでしょうか?それとも、コラボレーション的な要素もありますか? それも面白い点です。今でもなお、私は指揮者とオーケストラの化学反応を理解するのに苦労しているんですが、少なくとも明らかなのはそれが100%結果を左右するということ。 指揮というのは、DJに似ているんだと思います。技術的には違いますが、認識のされ方という点においてです。ほとんどの人は、何も知らずに誰かがヘッドフォンをしてレコードを回しているところを見たら、DJをとてもシンプルなものだと考えるでしょう。そもそもなぜそこにいるのか?一体何をしているのか?それと同じように、私でさえも過去に「指揮者というのは一体何をやっているんだ?ただ手を振り回しているだけじゃないのか?」と思たことがありますが、そういう人は多いのです。 私の音楽とエレクトロニクス、それと指揮者との関係は少し特殊で、それは過去に私の作品を演奏したことがない限りは、誰にとっても新しい 体験だからです。ですから、私にとってもいつも特別な体験です。 オーケストラというのは外洋船のようなもので、いきなり急旋回することは出来ません。そこに座って聴いていると、みんなが演奏に固定されていて、それが少しずつ方向転換していくような瞬間があるんですが、とても不思議なものです。...

 Liveで鮮やかなビブラフォンとマリンバを演奏

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Liveで鮮やかなビブラフォンとマリンバを演奏

クラビネット、エレクトリック・ピアノ、ガムラン・パーカッションなどを含む美しいマルチサンプルPacksに続き、Soniccouture社によるMalletsは、マリンバとビブラフォンの新鮮なサウンドを提供します。 マリンバには、Soniccouture は伝説的なマリンバ奏者安倍圭子氏と共同デザインされた Yamaha 6100 を使用し、複数のベロシティ・レイヤーを録音。本物の楽器の豊かなニュアンスがこのPackには含まれており、Instrument Rackのマクロ・コントローラーで選択が可能です。ビブラフォンの方では、Soniccoutureはマルチサンプルとしては全く新しい方法を実現しました。管を閉じた状態と管が開いた状態のサンプルをLFOにマッピングする事により、 Malletsのビブラフォンは楽器の持つ ユニークなトレモロ効果を正確に再現します。 Malletsのサウンドを下記リンクから試聴してみましょう:

Jan Nemecek: 持続的な進化のために

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Jan Nemecek: 持続的な進化のために

Jan at Resonate Festival, Belgrade 紛争によって傷を負った社会では、あらゆる側面において、過去からの悪影響を受けずに未来を構築することが困難です。セルビアのような、命のはかなさとコミュニティの破壊がまだ記憶に新しい国では、クリエイティブな実践はより深い意味を持ちます。一部のアーティストにとっては、継続するというだけでなく、進化を続けることが社会の進歩と歩調を合わせる上で必須条件となっているのです。 Jan Nemečekはそんなアーティストの一人。プロデューサー、サウンド・デザイナー、インスタレーション・アーティストとしての功績により、彼はセルビアの実験音楽の先駆者とされています。彼の最新アルバムである『Fragmented』は、音の粒子を再構築することで、それ以上の大きな全体を作り上げようと試みた作品です。Janは、セルビアのシーンについての考えや、シンプルなエフェクトを実験的に使用する方法を語ってくれた上に、みなさんにも試してもらえるよう彼自身のエフェクト・ラックを提供してくれました。 セルビアで実験音楽家として活動することがどんなことか、その実態を少し話してもらえますか? ここにはシーンと呼べるものはほとんど存在していません。実は同じ音楽を作っていても、それぞれの集団やレーベルが勝手に活動しているだけでまとまりがないからです。そういう意味でとても奇妙なところです。そして現時点では、90%の人たちがハウスを作ろうとしています。それが一番流行っている音楽なので、みんながそれに引き寄せられてしまっていますね。でも、誰も結束していない。もう何年もそういう状態が続いています。何年か前はテクノが流行っていたので、みんながそれを作って小さなプロダクション・チームを作っていました。コミュニティ内の異なる人々による相互作用が本格的に起こったことはありません。 なぜそんなにバラバラになってしまっているのでしょう? ここの人たちと、そのメンタリティのせいだと思います。みんなが一丸となって何かを成し遂げたかと思えば、次の日にはもうお互いにケンカしたり口をきかなくなったりしてしまう。僕はそういうところからは、なるべく離れるようにしてきました。僕は、「昨日の味方は今日の敵」というような考えには同意できないからです。これは音楽にも表れていると思います。現在誰もが、私たちの歴史や文化的背景に関連性のないハウス・スタイルの音楽を作っていることも、僕には受け入れられません。 基本的に、私たちはジャンルの枠に捕われています。実験的音楽を発表する場所はほとんどありません。一年ほど前までは、ほんの少しの実験性がある音楽さえも実践している集団はいませんでした。聴衆についても同じです。より試験的なサウンドを聴くのに慣れるには時間がかかりました。 Jan performing live at Resonate Festival, Belgrade この数ヶ月間、90年代のベオグラードやセルビアのエレクトロニック・ミュージックの進歩についての記事が立て続けに公開されています。これに対する、実際にそこで音楽を作っているあなたの反応は?これらはあなたにとって何か意味のあることですか? 「90年代のセルビア・クラビング」というのは、既に長い間メディアが好んで取り上げて来た題材です。特に海外の雑誌はこれについて書くのが好きですね、いい話だからです。戦争で引き裂かれ、戦犯がはびこる地域で、世界から隔離されながらもテクノのレコードを買い続けていた... 外国の人たちにとってはロマンティックで魅惑的な物語です。 僕自身はあまり... これを誇りに思ってはいませんが、若い世代のシーンがこれだけ注目を集めていることには驚いています。Resonateのようなフェスティバルのおかげで、若いアーティストたちが積極的に取り上げられています。『Dazed and Confused』誌が、セルビアのフットワーク・シーンについて書いているくらいです。面白いのは、フットワークがここで人気を集めるようになったのは過去1〜2年のことですが、ここで流行った音楽の中では最も独特で新鮮なサウンドです。その勢いは、僕が自分のレコードを完成させ、やりたいことをやり続ける原動力にもなりました。彼ら、こちらのTeklifeのクルーとは個人的にも仲のいい友達で、とてもサポートしてくれています。 でも古いシーンの人たち、つまりみんなが雑誌で読むテクノ・クラウドには、このことが受け入れられないようです。「俺たちよりもこのキッズたちの方が人気があるとはどういうことだ?」と疑問を持つ。地元ではちょっとした抗争になっているんです。年上のテクノ系の人が、ポスターで自分の名前よりもTeklifeの表記が大きかったと文句を言って。まだこうしたメンタリティに凝り固まっている人が多いので、小さな変化でも驚くべきことです。でもメディアからの注目のおかげで、みんなが本当に自分のやりたいことをやっても国際的に認めてもらえることが出来ると信じるようになりました。代わり映えしない四つ打ちばかりを作り続けなくてもよくなった。 Preparing to perform the Line of Sight installation at Resonate Festival 今年のResonate Festivalで公開されたインスタレーション、「Line of Sight」にはどのように関わっているのですか?Liveを使って、照明装置を直接操作していたように見えましたが。 僕たちはLiveを、このインスタレーションのタイムラインとして使用しました。僕は多数のMax for LiveとAbletonのパッチ・チェーンを用意し、セミ・ランダムなMIDIメッセージを送っていました。僕たちはAbletonから操作信号を送る、生成的なセットアップを構築しました。僕はMax for Liveの、Liveのパラメータを何でも照明のシグナルにマッピング出来るユーティリティ・パッチを使って照明を操作しました。つまり、例えば、フィルター・カットオフと照明の強度を関連づけることが出来るんです。でもそのほとんどがランダマイズされていました。プリセットされていたものはほとんどありません。全ての値、音符、タイミングは、毎回プレイする度に変わりました。ですから、僕たちがインスタレーションを「演奏」する度に、全く異なる内容になりました。 あなたのサウンド・パレットにある音源は、すっかりモジュレートされて原型を留めていないものばかりのようですが... この1〜2年ほど、僕はサンプルを元の音色が全く分からないほどディストーションとモジュレーションをかけるのが病みつきになっているんです。前のアルバムでは、多くのアカペラのカットアップを使用しましたが、まだ言葉が聴き取れる程度でした。今回は、もっととことんやっています。音楽というのは、聴く人それぞれに主観的な感想を持ちますよね?この考えが、僕を最も微細なサウンドや要素、コード進行に執着させるようになりました。僕は、音楽のミクロな要素にフォーカスするようになったんです。サウンドの粒子をモジュレートし、別のものに変化させる。半分以上の曲には、オリジナルのサンプルが含まれていません。オリジナルの音源は、女性がアコースティック・ギターをマイクで録音したものなどです。シンクされていない拍子や変な自然の環境音をリミックスする方が、よほどやりがいがありますからね。...