Events Ableton University Tour あなたが講義の中でLiveの使い方を教えている教授であったとしても、フリータイムにPushを使って音楽作りを楽しんでいたとしても、課題にMax for Liveを使用していたとしても、Ableton LiveとPushが様々な教育の場で生かせます。Abletonと教育について、もっと私たちと共に学びましょう。そしてPushとLive9に触れてみましょう。 ４月から５月にかけて、このツアーは世界各地のたくさんの教育機関を回ります。各会場でAbleton公認トレーナーとアーティストが、楽しくてためになるAbleton LiveとPushのデモンストレーションを、特に生徒たちの音楽クリエーションの可能性にフォーカスして行います。これらのプレゼンテーションは学生、学部教員およびスタッフ、そして一般の方、どなたでも参加して頂けます。 Ableton University Tourがあなたの学校（もしくは近くの学校）にやって来るかとうか、以下のリンクから見てみましょう： United States Mexico Netherlands Luxembourg United Kingdom Australia Germany Austria United States Cincinnati, OH Date: April 10 School: University of Cincinnati Time: 11am Presenter(s): Orville Kleine (ACT) Venue: TBC RSVP: No RSVP needed Ann Arbor, MI Date: April 11 School: University...
Artists Pantha du Prince & The Bell Laboratory: 楽器とセットアップ Abletonは、ロンドン・バービカン・センターでのTerry Rileyの「In C」公演準備を進めるPantha du Prince & The Bell Laboratoryの様子をビデオに収めました。コラボレーションに使用されているエレクトロニックとアコースティックの両楽器について、Hendrik Weber（Pantha du Prince）とThe Bell LaboratoryのHeming Valebjørgに詳しく話を聞きました。まずHendrikが、The Bell Laboratoryの楽器のプロセッシングにAbleton Liveとハードウェア・エフェクトをどのように使用しているのか、シンセとドラムマシンをステージでどのようにシーケンスしているのかについて説明しています。 次に、Hemingが、チューブラーベルの輝きのある音からバラフォンの温かみのあるサウンドなど、The Bell Laboratoryが演奏するパーカッション楽器のセットを紹介しています。 Pantha du Prince & The Bell Laboratoryのロンドン・バービカン・センター公演準備の様子を見る Ableton Liveについてさらに詳しく この記事をFacebookでシェア
Downloads Puremagnetik Effect Racks: Instant Sound Sculpting RackPakシリーズで、Puremagnetikのサウンド・デザイナーたちは、Liveのエフェクトデバイスをビルディングブロックとして使用したサウンドマニピュレーションの幅広い可能性を探ってきました。クランチーなギターアンプモデリングからワイルドでグリッチ豊かなディレイまで、Puremagnetik Effect Rackには、200を超えるラック・コレクションが1つのLive Packにまとめられています。下からサウンドをご試聴ください。 Puremagnetik Effect Racksについてさらに詳しく
Artists インプット/アウトプット: Decap & Brady Watt ヒップホップの歴史において、ニューハンプシャー州ナシュアはニューヨーク・シティに比べれば見劣りするのは否めません。しかし、ナシュア出身のある2人組が、ニューヨーク・ヒップホップにソウルフルで印象的な影響を与えています。Ski Beatzを師に、Curren$yとJay Electronicaをコラボレーターに、そしてPushを愛用の機材に持つDecap & Brady Wattは、急上昇中のデュオです。デビュー作「Qi」をリリースしたDecap and Bradyに、Abletonは彼らの音楽、瞑想、ニューヨークで彼らを取り巻く思想を共にするミュージシャンによるコミュニティについて話を聞きました。 デュオを組んだきっかけは？ Decap: こいつ（Brady）のことは中学から知ってたんだ。2人とも、ニューハンプシャー州ナシュアのエルムストリートに通ってた。親しいってわけじゃなかったけど、互いにリスペクトはしてたよ。周りの友だちはずっと、お前たちは一緒に仕事するべきだって言ってくれていたんだ。僕はヒップホップ制作で、Bradyはベースの演奏でお互いけっこう知られた存在になっていたからね。2008年初め、ワシントン・ハイツにある僕のアパートにBradyが来て、すごい曲をいくつか作ったんだ。ソロでのプロデュースに慣れてたんだけど、Bradyと一緒にやったことが大きなインスピレーションを与えてくれた。僕たちのサウンドと個々の技能を組み合わせることで、独特のスタイルが生まれたと感じたんだ。 Brady: ああ、8年生のとき、こいつが学校で一番タフなやつとけんかしてるのを見たよ。勝ってたから、こいつやるなって思ったね。ははは。 Ski Beatzとの出会いは？ Brady: ニューヨークに引っ越してからすぐに、Olamide Faisonと一緒にトライベッカでのパーティに行ったんだ。OlamideのいとこのEdaから聞いてね。それがたまたまDame Dashのパーティで、有名ラッパーやアーティストがたくさん来てたんだ（これが初期のDD172で、Blakrocが終わったすぐあとくらいだった）。僕たちは、パーティを楽しんで、かわいい子に出会えればいいな…くらいのつもりだった。ただ、リハーサルから直接来たんで、ベースを背負ってたんだ。音がしたからある部屋に入ったんだけど、そこにMPCを操っているSki Beatzがいて、Jean Graeがその横でメモを取ってた。Dameもいたし、Mos Defもいたし、とにかくすごい顔ぶれだったよ。信じられなかったよ。彼らは僕のヒーローなんだから。Skiが振り向いて、僕の背中のベースを見て「おい、それ弾けるのか？」って聞いたんだ。だから「もちろん」って答えたよ。それでベースをつないでそのトラックに合わせてジャミング演奏したんだ。F#マイナーだった、忘れもしないよ。その部屋にいた誰もが「おお…」って感心してくれて、Skiが立ち上がって、彼の拳と僕の拳をたたき合わせて「採用だ」って言ったんだ。次の日またそこに行って、Curren$yのPilot Talk 1のほとんど、Mos Defのクールなサウンド、Jay Electronicaをカットした。その日から、Skyと僕は何年もの間ほとんど毎日一緒に仕事したよ。 お2人は、一緒にスタジオに入って作業するのですか、それともそれぞれ別のスタジオで作業してトラックをやりとりするスタイルですか？ Decap: コラボレーティブな作業のほとんどはスタジオで行うよ。作曲プロセスの一部は、一緒にインスピレーションを掘り下げていき何かを生み出す2人のエネルギーなんだ。だからといって離れた場所で仕事をするのに反対なわけじゃない。実際そうしたこともあるしね。 このプロジェクトで使用する楽器は？ Brady: ベース、ギター、キーボード、そしてPushだね。 Decap: キーボードを使っていたけど、Pushを手に入れてからは、他の楽器やMIDIコントローラーを触ることはほとんどなくなったよ。 スタジオではPushをどのように使用していますか？またライブパフォーマンスのセッティングでは？ Decap: 僕は、Pushを制作の初期段階にスタジオで使用してる。アイデアを考えたり、ドラムループを作ったり、サンプルを加工したり、VSTインストゥルメントを演奏したり、いろんなクリップアレンジをトリガーしたり、エフェクトオートメーションを使用したりしてる。ライブ演奏では、ラップトップ画面を見る必要がほとんどといってないんだ。Pushと、オーディエンスのエネルギーに完全集中してる。Pushは、クリップのトリガー、エフェクトのマニピュレート、サンプルのドロップ/チェンジアップ/トリガーに使用してる。僕の演奏は、単にクリップをトリガーするだけじゃないんだ。Pushを完全な表現ツールとして使ってるよ。 ソングのアイデアを形にしていく方法は？どちらかが思いついたアイデアを起点としてまとめていくのですか、それとも共同作業から生まれてくるのでしょうか？ Decap: 作業前に一緒に瞑想するんだ。こうすることで、クラッターやノイズをクリアにして、クリエイティブな状態になることができるんだ。 Brady: ああ、いつもまず瞑想する。たいてい、アイデアが簡単にわき上がってくるよ。インプロビゼーションや現場での修正には慣れてるから、「ライティング」は難しいとは思わないんだ。ベースやギターでアイデアをスタートさせることもあるし、Decapがパッドでスタートさせてそこに追加していくこともある。それに、スタジオではミュージシャンの友達がうろうろしてることも多いから、彼らからインスピレーションをもらうこともあるよ。 Bradyに伺いたいのですが、Decapとのニューアルバムの音楽制作は、MC用にビートを作成する際とどのような点で異なっていましたか？ Brady: このアルバムは、僕たちをアーティストとして成長させてくれた。それまでは、トラックを「プレースメント」として作成していた。最高のビートであることには間違いないけど、アルバムのための作品作りとはまったく異なる。アルバムに収録する曲にはとてもこだわったよ。ある種のフローがあり、さまざまなスタイルに触れた作品を作りたいと思ったんだ。僕たち自身を体現しながら、まとまりのあるサウンドにしたかった。60曲ぐらい作成したのを、8曲に絞ったんだ。 「Grand Design」を解説していただけますか？ Decap: すごく斬新なバウンスのある曲にしたかったんだ。「Ground Design」に取りかかる前の日、Bert...
Tutorials スイングを手に入れよう：ドラム・プログラミングのヒント あなたのドラムはやや堅すぎませんか？古典的なエレクトロなどは機械的に作られた完璧なリズムを基礎としていますから、それが利点となることもあります。でも、全てがそれで上手くいくわけではなく、あなたのリズムがもう少し「人間味」を要することもよくありますよね。そんなときは、ここで紹介するチュートリアルをご覧下さい ー Liveを使用して、よりダイナミックで生き生きとしたドラム・シーケンスの作り方のヒントを学びましょう。 まず、Ivan Corralizaと共に、手動であなたのパターンにスイングを加える方法を見てみましょう： 次に、Groovesを使ってあなたのドラムにスイングとタイミング・バリエーションを加える方法を、Supreme Beatzのチュートリアルで見てみましょう： あなたのサウンドにバリエーションを加えることは常にプラスになります ー 毎回同じスネア・サンプルを使うよりも、簡単な作業で異なるオプションを手に入れましょう。Drum Rackであなたのサウンドを簡単にMacroにマッピングする方法は、このDubspotのChris Pettiのチュートリアルで見ることが出来ます： 最後に、リアルタイムであなたのビートにエフェクトを加えて引き立てることが出来ます。公認トレーナーのLenny Kiserが、こちらのビデオでPushでパターンを演奏しながらお見せします：
News Drumdrops A Fistful of Drum Kits - 個性あふれる3種のキットに無償のハイブリッドドラムが付属 ドラムキットはサウンドに欠かせない要素ですが、まったく同じサウンドを奏でるキットはありません。ときには優しく、ときには力強く叩く必要があります。DrumdropsのA Fistful of Drum Kitsに収録されている3種類のキットは、それぞれ異なる範囲のサウンドを提供します。最高級のビンテージ機材を使用してプロのドラマーとエンジニアによりレコーディングされたサウンドにはそれぞれ最大16のマルチサンプルが含まれており、ごく自然で人間味にあふれたサウンドをもたらします。また、各キットには最大4種類のバリエーション（スネアのダンピングあり/なしなど）が用意されており、さらに幅広いオプションを提供します。 キットはこちらからご試聴いただけます。 DrumdropsのRecording Hybrid Kitは、マルチサンプル、マルチベロシティのYamahaドラムセットからなる無償Packです。いくつかのドラムセットの要素から作成されたHybridは、サウンドに優れた多目的なキットです。
Artists Tom DemacがPushで時間に挑戦 時間の制約は、ときに優れた結果をもたらします。Four Tetまたは認定トレーナーMichael Greigにお任せを。「Against the Clock」と名付けられたこのシリーズでは、FACT Magazineが10分間でトラックをできるだけ完成に近づけるという課題をミュージシャンに提供しています。このシリーズは、クリエイティブな面々がいかにグルーヴをとらえるのかについてインスピレーションあふれる考察を提供しています。もちろん、各パートが組み合わされトラックが姿を現す様子を目の前にしたスリリングなカウントダウンも見物です。 シリーズ最新ビデオでは、ロンドンをベースに活動するプロデューサーTom Demacが登場。ビンテージ・ハードウェアが満載のスタジオですが、TomのワークフローはPushとLiveを中心としたもの。Tomが時間に挑戦する様子をこちらからどうぞご覧ください。 Pushとハードウェア・ドラムマシンについてさらに詳しく
Artists Pantha du Prince & The Bell Laboratory: 新しいシーケンス 「自分の役割は、指示を送るということではないと思っている」Pantha du Prince名義で活動するHendrik Weberは、Abletonの新しいショート・ドキュメンタリーでそう語っています。「各ミュージシャンの音をフィルターするんだ」ソロ・アーティストとしてエレクトロニック・ミュージックで活躍する彼が他のアコースティック・ミュージシャンとのコラボレーションに興味を持ったきっかけは、教会の鐘の音でした。アルバム「Black Noise」用にさまざまな場所で古い鐘を録音した際、Hendrikは（エレクトロニクスとラップトップ担当の）自身とアコースティック・ミュージシャンのコラボレーションを構想しました。 その成果は、下のショート・フィルムでご覧いただけます。また、Hendrikが世界で活躍するうパーカッショニスト集団The Bell Laboratoryとコラボレートしたアルバム「Elements of Light」でも聞くことができます。このようなプロジェクトをまとめるには、クリエイティブな発想と技術的思考、The Bell Laboratoryのヒューマンな表現とのギャップを埋めること、そしてエフェクトを多用したHendrikの「フィルター」としての役割が必要でした。Abletonは、ソールドアウトが続出のパフォーマンスで世界を飛び回るHendrikとThe Bell Laboratoryにインタビューを実施。ミニマルで実験的な曲で衝撃を与えたTerry Rileyの「In C」を演奏しています。ロンドンのバービカン・センターで行われた公演では、サイケな60年代に始まったリキッド・ライト・ショーの古株The Joshua Light Showとも共演しています。 コラボレーションとパフォーマンスの様子を、下のビデオでご覧ください。 パフォーマンスで使用されたパーカッション楽器とAbleton Liveセットアップについて詳しく見る この記事をFacebookでシェア
Tutorials Warp Academyの無料ウェブセミナーとチュートリアル もしあなたが、Liveについてもっと学びたいと考えているのなら、どのレベルであっても、Warp Academyが提供する様々なインストラクターによる、これから公開される無料ウェブセミナーと、既に公開されている無料チュートリアルが参考になるでしょう。Warp Academyでは、公認トレーナーであるIsaac Cotec、Vespers、Jake Perrine、Ian Gallagherを始めとした専門家たちによる優れた無料チュートリアル、ダウンロード可能なテンプレート、それにオンライン・コースを提供しています。 2014年４月いっぱい、Warp AcademyはWarp Academy Symposiumの一環として、無料ウェブセミナーのシリーズを公開していきます。詳しくはこちらを参照し、放送後もアーカイヴを見てみて下さい。 Warp Academyの無料チュートリアルを見てみましょう ー まずはサウンド・デザイナーMyagiによる、OperatorとCorpusを使ったタム・ドラム音の作り方です： ビデオ内で使用されている楽器をダウンロードする。 次は、共有やコラボレーションのためのLive Setの活用方法です： 最後に、公認トレーナーのIan Gallagherがトランス、EDM、ベース・ミュージックに最適な、Operatorの無料プリセットを紹介します： プリセットをダウンロードする。 Warp Academyの無料チュートリアルとダウンロードをもっと見る。
Artists 即興と実験：Wesseltoft Schwarz Berglund ジャズとエレクトロニック・ミュージックをバックグラウンドに持つBugge Wesseltoft、Henrik Schwarz、Daniel Berglundは、それぞれ最先端の即興音楽の達人として知られています。彼らはさらにトリオとしても、実験的なコラボレーション・テクニックからインスピレーションを得ているようです。WesseltoftとBerglundはキーボードとアコースティック・ベースを担当し、それをHenrik Schwarzが新たな方法でマニピュレートしていく。WesseltoftとBerglundの演奏をサンプリングし、それをLiveでランダムなスピードでループすることで、Schwarzはトリオに新たなチャレンジをもたらし、エキサイティングで進化したパフォーマンスを作り上げています。 詳しくは、Electronic Beats TVのドキュメンタリーを見て聴いてみましょう： Henrik SchwarzがMax for Liveで制作したSchwarzonator IIで、あなた自身のジャジーな即興演奏を試してみましょう。 もうひとつのジャズ／エレクトロニック・グループArchie Pelagoについて知る。
Artists 大学でPushを ー 参考になる実演ビデオ Pushという楽器を修得したプレーヤーたちによる、美しいパフォーマンスは私たちにインスピレーションを与え続けてくれています。ここでは、二つの異なる大学で収録されたビデオで、ミュージシャンたちが繊細なニュアンスの効果的な音楽をPushを使って作り上げる様子をご紹介しましょう。 ひとつめは、テルアビブ大学で、音楽家であり生物学者でもある Omer Eilamが演奏する、「Electronic variations on a Bach Chaccone」という、ドローンとクラシック音楽に導かれた作品です： 次は、シンガー・ソングライターのNADINEが自作の曲「Spring Will Come」をPushを演奏するJJ Mitchellと共演する様子をご覧下さい。NADINEは、ハートフォードシャー大学と関わりのあるINFUSEレーベルと契約しています： Pushについてもっと詳しく
Downloads 最先端コトローラリストWarper Partyの無料楽曲 過去10年近くに渡り、Warper Partyは最先端の音楽、ビジュアル・アート、及びパフォーマンスの定期的ショーケースとしてニューヨーク市で開催されてきました。何人もの名コントローラリスト・ミュージシャンたちがWarper Partyに出演し、その多くが彼らが発表したばかりの無料コンピレーション『Comp #1』に収録されています。楽曲はコンセプトに基づいて”Upstairs（上階）”と”Downstairs（下階）”と（実際のWarper Partyの会場であるThe Delanceyの造りに沿って）分けられており、Moldover、AfroDJMac、CØm1x (Dan Freeman) を始めとしたたくさんのアーティストが楽曲提供しています。 Warper Partyの『Comp #1』をダウンロードする ニューヨークにいる方は、Warper PartyがThe Rubinにて共同開催するエレクトロニック・ミュージックとビデオ・アートのイベント、**PULSE**をお見逃しなく - 4月4日金曜日です。
Artists Free Music from Tim Shiel ソロのミュージシャンであり、GotyeのメンバーでもあるTim ShielがiOSゲームの「Duet」のサウンドトラックを作曲した際、彼はこの進化するゲームに相応しい長尺の曲を作り上げました。このサウンドトラックについて既に語ってくれたように、彼は「まるで指の動きに直接反応しているかのような、流動性と動作を持った」音楽をデザインすることを目指しました。 オーストラリアのApp Storeでこの「Duet」が売り上げ一位になったことを祝って、Timは「Duet」のオリジナル・サウンドトラックの無料ダウンロードを期間限定で提供しています。それに加え、Timは「Duet Duets」と題された、オリジナル・サウンドトラックの素材を元に友人のWinterparkとLuke Howardと制作したフリー・コンピレーションもリリースしています。「Duet Duets」のプレビューを以下から見てみて下さい： Duet Duets by Tim Shiel and Friends Download Duet OST Download Duet Duets 「Duet」サウンドトラックの作曲についてのTimのインタビューを読む
News Darwin by Flatpack: 順応、進化、変異 ビート用の優れたサウンド、テクノトラック用のディープなパッド、映画サウンドトラック用の壮大なサウンドなど、その用途にかかわらず、生き生きとした進化するサウンドの活用の場はたくさんあります。Flatpackの新Pack、Darwinは、その名が示すとおり、進化がそのテーマです。フィルタースイープ、サウンドソースのブレンド、緩やかなモジュレーションなどを収録しています。 Darwinは異なるいくつかのインストゥルメント・フォーマットをフィーチャーしており、サウンドソースを融合させるAnalogのプリセットパッチ、SimplerやSamplerのマルチサンプル・サウンド、複雑なInstrument Rackなどを収録しています。さらに、Darwinには広がりを与えるLiveのReverb用のプリセットが豊富に揃っており、他のインストゥルメントとミックス&マッチして独自のパーフェクトなサウンドを作成できます。 Darwinのサウンドを下から試聴できます。 Ableton PackストアでDarwinを見る
Artists Soundwalk Collective: ソニック・ノマド そこをさまよう旅人と同じく、音の世界は、それ自体が命を持ち常に変化する存在です。場所、領域、地勢をサウンドで捉えるには？場所は、そこに発生する音によってどれほどまで定義されうるのか？そこに住む者の言葉、歴史、音楽により形作られるサウンドは重要なのか？そして、そこでマイクを手にする者が、マイクを向ける方向とは？ ベルリンとニューヨークをベースに活躍する国際的なトリオ、Soundwalk Collectiveは、レコーディング、ライブパフォーマンス、インスタレーション、ラジオ劇、マルチメディアのプレゼンテーション、本、ビデオの分野で、これらと関連するテーマに10年以上にわたって取り組んでいます。彼らのサウンド・ワークは遠く離れた世界各地への旅で集められたフィールド録音から構成されており、情報と抽象芸術の間で微妙な均衡をとっています。実際の録音内容と現実を反映した音の断片から形作られた音は、変化する物語風のランドスケープをさまよう、イマーシブなオーディオの旅として結実します。 SoundwalkメンバーのKamran Sadeghiに、Collectiveの着想、作曲、作品の発表方法について話を聞きました。 Soundwalk Collectiveの構成を教えてください。 創始者のStephan Crasneanscki、Simone Merli、そして私Kamran Sadeghiの3名です。皆さまざまなバックグラウンドを持っており、私たちの経験とさまざまなアプローチが組み合わされ、作品が形成されていきます。すべてはこのコンセプトから始まっており、私たちの作業は主にフィールド録音をベースとしたもので、特定の地域を対象としています。 バックグラウンドについてお話しいただけますか？ 私のバックグラウンドはエレクトロニックミュージックで、若い頃はインスピレーションでもありましたが、その後はアバンギャルドやジャズといった音楽に傾倒するようになりました。そこから音楽テクノロジーに凝り出し、1年半学んだ後、レコーディング・スタジオを開設しました。その後、美術やサウンドアート、生成的でベクターベースのサウンドやイメージ作品が主のビジュアル要素にも取り組むようになりました。なので、サウンドだけ、イメージだけを扱っていたのではなく、パフォーマンスやインスタレーションを行ったり、ニューヨークのサウンドアートギャラリーで働いたりもしました。今はそれらすべてを少しずつ行っているという感じですね…ええ、それが私のバックグラウンドです。 他のお二人は？ Stephan Crasneansckiはコレクティブの創始者です。アイデア、コンセプト、コラボレーション、目的地などは、彼がすべて考えます。一度旅に出ると、3カ月にわたってこれらのエリアでサウンド録音を行います。彼はこの面でかなりのリサーチを行います。彼のバックグラウンドは美術史や芸術なんです。Simone Merliはサウンドアートが専門で、私たち3人、私たちの世界、外の世界をつなぐ橋となっています。彼はすべてを貼り合わせる接着剤のような存在です。コンセプトからパフォーマンスまで、彼が仲立ちとなり、コレクティブとしての私たちの活動を可能にしています。 プロジェクトの起点となるのは何ですか？ 私たちの活動はすべて、場所、人、旅から始まります。音楽用語や方向性はまったくといっていいほど関係ありません。短波ラジオやフィールド録音、偶然聞こえてきた音、古いSPレコードなど、いろんな音を幅広く録音します。 たいてい、非常に厳密な構成に従って作業を行うので、録音は何百時間分にもなり、これらを分類し、タイトルを付け、カットし、フォルダーに整理し、フォルダーを親フォルダーに整理する必要があります。終わりのない構成なので、作曲する段階になったら、それがレコーディング用であってもパフォーマンス用であっても、旅や場所のオリジナルの構成を保つように心がけています。作品を作っているときはそれが継続するように努めています。 Medeaプロジェクトはこの好例でしょうか？ はい、その通りです。この作品は、根本的には地図なんです。Medeaでは、まずトルコからスタートし、黒海の周りを移動しました。すべて実際の旅の構成が元になっています。ライブ演奏では、この枠組みでの時間、場所、特定のインスタンスをベースとするグリッドベースの構図を使用しています。 技術的にはどのような仕組みなのでしょうか？サウンド素材を集めるのが起点で、パフォーマンスやインスタレーションが終点ということになるでしょうが、その間ではどのようなことが起こっているのでしょうか。 そうですね、まず基本的な構成を決めて、どのような素材が手元にあるのかを見極めます。その後、このアレンジから最も優れた部分、つまり、音楽的なクオリティを持つ部分や完全性を有した物語的なクオリティを持つ部分を抜き出していきます。それから、これらを別々のチャンネルでアレンジしていきます。私たちのうち、ある者はボイスを、別の者はラジオ録音を、また別の者はフィールド録音の作業を行いますが、どれも同じ場所、たとえばトルコで録音した素材です。それが終わったら演奏を始め、素材のマルチチャンネル録音を行います。 それはつまり、ある程度の範囲内で即興録音を行うということですか？ そうです、アレンジ用の素材を生成するためです。たとえばアレンジメントビューで動きを描画する代わりに、これらの要素をアレンジから抜き出してライブで演奏してから、より自然な動きやバリエーションとしてアレンジに戻します。 皆さんの作品には、どれも必ずビジュアル、映画的、写真的要素があります。どのようにしてこれらをまとめるのでしょうか。また、音の要素とビジュアルの要素の関係はどのようなものなのでしょうか。 Stephanは写真家で、よく撮影も行っていますが、基本的に私たちは移動中の行動すべてを記録するようにしています。ときには、誰かに同行してもらい、旅の記録を書き留めてもらうこともあります。ビジュアル面は、実際のサウンドよりも抽象的になります。実際にイメージを使用し、それを楽譜と見立てて制作した作品があります。砂漠だったんですが… どの作品ですか？ 「Empty Quarter」という、オマーンとイエメンの間の砂漠で生まれた作品です。私たちはそこで3カ月にわたって、短波ラジオとスキャナーを使用し、会話や音楽など砂漠の真ん中で耳にした音を録音しました。 ビジュアルの側面は、内的なものから、他の人々とのコラボレーションへと変化しました。たとえば、モスクワのArma17でも行った「Berghain」という朗々とした作品では、クラブ内の人々のポートレート写真を撮り、ソース素材として使用しました。また、私はベクターベースのビデオが専門なので、Stephanが捉えたイメージを取り込み、サウンドと連動するこれらのイメージに対するトリガーを作成して、リズミカルなバーチャルコンポーネントを作成します。実のところ、ビジュアル部分は私たちにとっていつも苦労の種です。どういう展開になるのか見えないし、だからといって外部によるイメージや平凡なベクターベースのビデオに頼ることもしたくないですから。 皆さんのプレゼンテーション、インスタレーション、ディフュージョン、パフォーマンスの多様性についてご説明いただけますか？ これは大変です。ひとつのものに固執することなく、常に新しい試みを行っているので、自分たちに苦労を課しているようなものです。同じく、スタジオも常に変化しています。一箇所にとどまることがないですし、セットアップを常時変更しているからです。また、パフォーマンスやインスタレーションのたびに、会場の制約に合わせたカスタマイズを加えています。 （会場に）「私たちの内容はこれです。この会場で実現可能であればやりますが、そうでなければやりません」などとは言いません。たとえば、ライブパフォーマンス込みのインスタレーションや、あるいはインスタレーションだけなど、会場とロケーションに合わせてカスタマイズを行います。New Museumでの「The Passenger」では独自のダブプレートを作成してターンテーブルで自動再生させ、ベニスのビエンナーレではビデオとサウンドのディフーションだけを行いました。つまり、作品と会場の要件により大きく異なるということです。 先日、Club Transmedialeで新作を発表されましたね。 Club Transmedialeでは、「Killer Road」という作品を上演しました。ベルベット・アンダーグラウンドのニコの詩（未公開のものを含む）を読むパティ・スミスの声をフィーチャーしています。この作品では、パティ・スミスとパフォーマンスを行うというのが当初のアイデアでしたが、最終的にフェスティバル用に作品を調整する必要がありました。（ビデオアーティストの）Lillevanに依頼し、ビジュアルを制作しました。私たち自身はサウンドブースの裏にいてサウンド・ディフュージョンのようなことを行い、素材を再生して、いくつかの要素にEQをかけて分離させます。この作品は制作にほぼ3年かかったのですが、絶対に公開したいと思っていました。だからこそ、妥協を許しませんでした。制作やコンセプトは、ステージ上に姿を現すよう努めることよりも、ずっと重要で強力な要素なのです。 メンバーはステージには立たないし、ステージ・プレゼンスも実質的に皆無なので、ビデオには、炎、熱、光といった感覚…太陽のようなイメージを求めました。当初は、太陽の作品で有名なOlafur Eliassonとのコラボレートを希望していました。 しかし結局環境は変化するので、そこに作品をはめ込み、試行して掘り下げていくことになります。私たちは毎回異なることを行っています。それは神経をすり減らすことでもありますが、最後の最後まで私たちを押し上げてくれることもあります。こういったことは、作品を通して学び、体験していくものだと思います。素材は一定でなく、シンセでもません。できることには終わりがないのです。 Soundwalk Collectiveのウェブサイトでは、その他の記事、サウンドやイメージをご覧いただけます。
Tutorials Roland AIRA TR-8をLiveとPushでプレイする Ableton Push(左)とRoland AIRA TR-8(右) AIRA TR-8のリリースで、Rolandは(TR-808やTR-909といった)自社製ドラムマシンのサウンドと雰囲気を新しいハードウェアに蘇らせました。Ableton LiveとPushと組み合わせて使用すれば、TR-8からのマルチトラック入力を録音したり、PushのDrum Rackモードを使用してシーケンスしたりと、さまざまな使い方が楽しめます。LiveschoolインストラクターMichael Di Francesco aka Touch SensitiveによるPushとTR-8の実演ビデオをご覧ください。 LiveschoolでTR-8およびLive/Pushのその他のチュートリアルビデオを見る Pushでハードウェア・ドラムマシンをプレイしたりコントロールしてみたくなりましたか？Abletonの新チュートリアルをご覧ください。
