Flava D: 進化し続けるプロデューサー
Danielle Gooding、世界には Flava D の名で知られる彼女は、UKダンスミュージックにおいて決定的な存在感を放ってきた。多才さと革新性、そして relentless なワークエシックで称賛されるプロデューサーだ。10年以上にわたりUKベースカルチャーの最前線に立ち、グライム、ベースライン、UKガラージ、ドラムンベースを自在に行き来してきた。ソロアーティストとしてだけでなく、Royal-TやDJ QとのユニットTQDの一員としても活躍している。
ボーンマスとバーミンガムの間で育ったGoodingの音楽の旅は、地元のレコードショップから始まった。そこで初めてAbletonを手にし、重低音の効いたインストゥルメンタルを制作。それがやがて“Godfather of Grime” Wileyの目に留まることになる。初期のコラボレーションでアンダーグラウンドシーンに存在感を確立した彼女だが、本格的なブレイクは2011年、ガラージ・アンセム「Hold On」のリリースだった。
現在は憧れのHospital Recordsと契約し、ティーンの頃からアイドル視していたレーベルからデビュー・ドラムンベース・アルバム『Here & Now』を発表。今回もまた、ジャンルを超えたサウンドを編み出し、ソウルフルなローラー、重量級ステッパー、そして高揚感に満ちたレイヴ・トラックを詰め込んでいる。豪華なボーカル陣を迎えたこのアルバムは、常に進化を掲げるアーティストの力強い声明でもある。
フェスで会場を沸かすFlava D。
10代の頃にレコードショップで働いていたそうですが、それがダンスミュージックへの入り口でしたか？
大きな役割を果たしましたね。でも最初にガラージに触れたのは叔母の影響なんです。彼女はいつもDJ EZのコンピレーションを持っていて、母はFerry Corstenのトランス／エウフォリア系のCDを聴いていました。16歳のとき、ボーンマスにあったStrictly Beatsというレコードショップで働き始めて、そこからさらに深くダンスミュージックを知ることになりました。お店のオーナーは元DMCターンテーブリストのDJ X-ratedで、私が裏でブレイクダンスを練習していたら「シフト入ってみない？」と誘ってくれて。結果的に、ダンスミュージックの多様な世界を知る素晴らしいきっかけになったんです。
子どもの頃から音楽を作ることに興味があったそうですね。カシオのキーボードを持っていたとか？
母か祖母が私の8歳の誕生日に突然くれたんです。乾電池で動く小さなカシオ。でも今までで最高のプレゼントでした。逃げ場をくれるものだったし、音楽の入口にもなった。15歳の頃、レコードショップの友達がFruity Loopsで作った曲を車の中で聴かせてくれて、「どうやって曲を作るの？」って毎回聞いてました。でも全然理解できなくて。そのうち、店長がAbletonをくれて、家のPCで初めて音を重ねたり構成したりできるようになったんです。それ以来、ずっとAbleton。私にとって唯一無二のツールですね。
習得は難しかったですか？ それとも直感的でしたか？
どっちもですね。当時のインターネットは今みたいじゃなくて、家にネットもなかったから、完全に深いところに放り込まれた感じでした。でも時間はたくさんあったし、母もすごく忍耐強かったので（笑）、3〜4年は部屋にこもってAbletonをいじりまくってました。Channel Uで流れてたグライムの曲を真似して dissect したり。ある日、自分のガラージ曲をCDに焼いて、地元のバーでDJをやってた友達に渡したんです。客は4人しかいなかったけど、それがちゃんと聴こえて。「あ、自分の曲がどこかで流せるんだ」って思えたのは大きかったですね。それで自信がついて、MCたちに曲を送るようになりました。当時はほぼ“ベッドルームプロデューサー”で、マクドナルドからファイル送ってたんですよ（笑）。今思うと面白いです。
2020年にHospital Recordsと契約しましたね。憧れのレーベルだけに大きな転機だったのでは？
Hospitalとの出会いは2003年、チャリティショップで見つけたDanny ByrdのCDでした。だから契約が決まったときは、子どもの頃の私が「やばい！」って叫んでました（笑）。ちょうど自分のプロダクションも変化し始めていて、新しいジャンルに挑戦したいと思っていた時期だったんです。自分の特性なのか、ガラージで達成感を覚えたら、もう次に進みたくて。ダンスミュージック全般が好きだから、ドラムンベースはまさに新しい挑戦でした。
最新作『Here & Now』はドラムンベースへの第一歩ですよね。ジャンルの定型をどう更新するか、という挑戦もあったのでは？
最初はアルバムをどう聴かせるべきか、すごく悩んで考えすぎていました。でも「とにかく“Flava Dらしく”作ればいい」って原点に戻ったら、一気に流れ始めたんです。自分にとって“Flava D”とは、いろんな音を取り込んで組み合わせること。そうしたら自然で本物っぽさが出てきました。構成やフローを意識して、いくつかのドラムンベース・アルバムを聴いて「こう始まって、こう終わるんだ」と学んだりもしました。ガラージからドラムンベースに移るのは大きな学習曲線で、ミックスや周波数の扱いがまるで違うので、脳を組み替える必要がありましたね。でもその過程でスキルが上がって、『Here & Now』は今の自分をよく表せたと思います。
新しいプロジェクトを始めるとき、Abletonセッションはどのように整理しますか？
基本はゼロから始めます。環境音をオーディオとして取り込んで、それにメロディやコードを加える。それからMIDIトラックを開いてグルーヴやループを回していくと、頭の中で何かが聴こえてくるんです。Ableton 12にアップグレードしたのはたった3か月前で、習慣的にずっと古いバージョンを使ってたんですけど、コラボ相手のプラグインが開けなくなったから仕方なく（笑）。でもAbleton 12は本当に便利。オーディオをフラット化して書き出せる、グループの中にさらにグループを作れる、ハッシュタグでサウンド検索ができる。5分間スクロールしなくていいのは助かりますね。Convolution Reverbもお気に入りだし、ワークフロー全体が格段に良くなりました。
既存のサウンドライブラリを使っていますか？それともドラムンベース用に新しいフォルダーを作ったのでしょうか？
同じドラムサンプルパックを10年以上使い続けています。何千ものサンプルが入っていて、“Amen”ブレイク、“Think”ブレイク、シェイカーなど、思いつく限りの定番が全部あるんです。トラックを走らせるときは、既存のブレイクを取り込んで、その上に自分のドラムを構築していくことが多いですね。Abletonの純正プラグインでは、Saturatorが一番の常用ツール。ベースサウンドやドラム、ハイハットの波形をシェイプするのに欠かせません。Erosionはベースラインに歪みを加えるのに使います。テクスチャやパッドにはOmnisphereがすごく良いですね。まだ全然使い切れてないくらいです。あとSerumも完全に手の内に入っていて、パッドやベースのデザインに活用しています。
ドラムプログラミングはどういうアプローチを取っていますか？
AbletonのDrum Rackをかなり使いますね。ブレイクを入れたら、自分のキックを足して、スネアを重ねて、トランジェントや中域の周波数に合うように調整します。最近気に入ってるのがDenise AudioのNoize 2というプラグイン。ドラムに重ねてパターンをエミュレートしてホワイトノイズを加えられるんです。めちゃくちゃ便利で、音にザラっとした質感を出せる。自分でハイハットを作っちゃうこともできるんですよ！ それからTrackspacerというサイドチェイン用のダッキングツールもよく使っています。ブレイクの中の特定の周波数を引っ込めて、他の要素とぶつからないようにできるので、すごく重宝しています。
サイドチェインは、ドラムンベース制作をきっかけに身につけた技術なんですか？
元々知ってはいたんですけど、ガラージでは完全に間違ったやり方をしてたんです。正直なところ、2016年までコンプレッションすら理解してませんでした（笑）。Championというプロデューサーが師匠のように色々教えてくれて、ローエンドの作り方や、サブが正しい場所で鳴ることの大切さ、サイドチェインでキックとベースが衝突しないようにする仕組みを理解できたんです。それまでは初心者レベルのやり方でしたが、今はCableguysのShaperBoxを使って、ある音が鳴ったときに別の音を引っ込めるようにして、どのくらいの周波数をどの程度ダッキングさせるかを手動でコントロールしています。このテクニックを覚えてから、ドラムンベースの音の質が格段に良くなって、クラブでの鳴りも全然違いますね。
愛用のNovation Bass Station IIで周波数を調整するFlava D
多くのプロデューサーはソフトウェアから始めて、余裕が出てくるとハードウェアを加えていきますよね。あなたもそういう道をたどっていますか？
私が大好きなのはNovation Bass Station II。手を使ってノブを回してサウンドを作り込むのはやっぱり楽しいですね。キーボードも好きですが、ラップトップがあれば電車や飛行機の移動中でも曲が作れるので、とても重宝しています。だから私は効率的に作業できるソフトウェアに慣れています。ハードウェアは人によってはコレクションアイテムやトロフィーみたいな存在で、見て楽しい、いじって楽しいものですけど、音楽制作に必ず必要なわけではないと思っています。
このLive Setと含まれるすべてのサンプルは、教育および探究のための利用を目的としたものです。商用利用はできません。Live 12 Suite が必要です。
アルバム収録曲「Blackwall Tunnel」について教えてください。最初はどんな狙いで作り始めて、どのように進化していったのですか？
ジャングル的な影響を受けたクラブ向けの曲で、ライブセットでも使っていました。ただ、アルバムにはもっと gritty でダークなローラートラックが必要だと思って、その役割を担うようにしました。ツアーからの帰りの電車でアイデアが浮かんで、90年代後期のゴツいサウンドにオマージュを捧げようと思ったんです。たとえばGoldieのMetalheadzや、私の大好きなドラムンベース・プロデューサーS.P.Yのような。アルバムには車の中やバーベキューで聴けるような曲も多いんですが、「Blackwall Tunnel」はダブルドロップで映えるような、汗だくのレイヴで暗い低い天井の下で楽しむためのトラックなんです。
あなたの楽曲には遊び心が感じられます。「Do You Want Me」もその一例ですが、こうしたサウンドデザインは直感的なものですか？ それとも技術的なプロセスですか？
ほとんど直感ですね。この曲は特に楽しかったんです。初めて自分の声をAIと一緒に使ったんですけど、ベースデザインや新しいテクニックをたくさん取り入れられて、LFOのプログラミングやベース、コード作りに夢中になりました。昔のガラージの影響もまだ残っていますね。
AIボーカルツールはまだ発展途上ですが、自然に聴こえるソフトウェアはありますか？
Audimeeというものを使っています。ただ、AIの使い方にはとても気を遣っています。ボーカリストと一緒に作ることをやめるつもりはないし、AIを使うのはほんの短いフレーズ程度。私はシンガーじゃないけど、ハーモニーくらいなら歌えるので、その声をAIでカスタマイズして、声質やビブラート、ロングトーンを調整しています。その方が、誰もが使うSpliceのサンプルを流用するよりも自分らしいし、誰にもコピーできない。AIは生活のいろんな場面を置き換えていますが、本物の感情までは置き換えられません。だから本物の表現を求めるアーティストは、いつだってオーセンティシティを大切にし続けるはずです。
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テキスト & インタビュー：Danny Turner
写真提供：アーティスト、Khaliphotography