Yunomi：Push 3とモジュラーシンセで作る、時間と共に成長しながら変化していく音楽

Yunomi：最初はReasonを使っていました。Reasonは、ラック上で機材同士をケーブルで繋いでいく、モジュラーシンセに近い感覚のソフトなのですが、それでシンセサイザーの仕組みを学んでいくのがすごく楽しかったんです。

ただ、出音そのものには、空気感とか揺らぎのようなものが少し足りないと感じていました。そこでReasonに搭載されているサンプラーのNN-XTで複数のサンプルをレイヤーしてみたところ、求めていた揺らぎが出せるとわかったんです。

Yunomi：僕が求めていたのは、シンセサイザーのデチューンのつまみで作るような揺らぎではありません。もっと偶然性のある、聴いた時に発見があるような揺らぎでした。サンプルをレイヤーすればそれが作れるとわかってからは、サンプルベースで制作する方向に舵を切ったんです。でも、そうなるとサンプルへ素早くアクセスできる環境が必要になります。その点でLiveのブラウザの設計がReasonよりも自分の制作スタイルに合っていたので、移行を決めました。

Yunomi：そうです。Liveに移行して大きかったのは、サンプルを選ぶ、サンプラーに入れる、加工する、という一連の流れがシームレスにできることでした。サンプルを選ぶたびにウィンドウがポンと立ち上がって「どこにありますか？」と聞かれるのは、地味にストレスなんですよね。

でも、それがストレスだということ自体、実はそれまでは自覚していなかったんです。Liveに移行してはじめて、そういった細かな操作のストレスが制作の妨げになっていたんだと気づきました。そういう意味でLiveは本当に制作者のことを考えて作られていると思いますし、そこに他のDAWにない魅力を感じましたね。

Yunomi：2019年頃にPush 2を購入しましたが、使い始めたきっかけはスケールへの興味です。例えばCメジャースケール、Dドリアンスケール、Eフリジアンスケールは、ドレミファソラシドという同じ構成音を共有しています。それでいて、それぞれ違う響きを持っている。だから、構成音をランダムに弾いているだけでは、それぞれのスケールらしさはわからないままです。そのスケールならではの音程やフレーズを実際に弾いて、響きを耳で覚える必要があるのですが、ギターやピアノで各スケールの運指を覚えようとすると、めちゃくちゃ時間がかかってしまいます。

その点、Pushにはメジャースケールやドリアンスケールなど、いろいろなスケールが入っていて、選んだスケールの構成音がパッドで光ります。どこを押せばいいかが目で見てわかるので、そのスケールらしいフレーズを見つけるのが早いんです。耳と指を同時に使いながら、音楽理論を体感的に学べるところに惹かれました。

Yunomi：それまではMIDIキーボードを使っていたので、最初は仕組みがわかりづらかったですね。どこが光っているのか、それがどう動くのかも掴めませんでした。ただ、使っているうちにだんだんわかってくるんですよ。パッドが64個あるので、同じ音をいろいろな位置に置ける。ドレミファソラシドの並びも、自分がわかりやすいように配置できます。

あと、音程の並び方がギターと同じなんですね。僕はギター経験が少しあるので、ギターで押さえる指の形が、そのままPush上に現れるんですよ。だから、5度の音程の関係も感覚的に掴みやすかったです。

Yunomi：いえ、MIDIキーボードとPushで半々という感じです。普段はそのふたつを並べて置いていて、曲によって使い分けています。ただ、物理モデリングシンセに関してはPushを使うほうが断然面白いんですよ。僕が使っているMIDIキーボードにはアフタータッチが付いていません。その点、PushならMPEで物理モデリングの各パラメーターを制御しながら弾けるので、単純なフレーズでも響きがまったく違ってきます。

Yunomi：Pushとほぼ同じ時期ですね。Yunomiとしての活動を始めてから、来る依頼を全部受けていたので、5年ぐらいずっとめちゃくちゃ忙しかったんですよ。それが2019年にパタッと落ち着いたタイミングがありました。その時に「時間と共に成長しながら変化していく音楽を作る」というアイデアが浮かびました。それに取り憑かれて、Pushやモジュラーシンセへと興味が移っていったんです。

Yunomi：それまではサンプルやMIDIノートをDAW上の自分の理想的な位置に配置することに、本当に多くの時間を費やしていました。細かく詰めていけば、自分の中での完成度はたしかに上がっていきます。でも、忙しい時期が終わったタイミングで、それとは違うことをやってみたいと思ったんです。

そこから「あらかじめ素材を配置するのではなく、音楽そのものが変化していく仕組みを作れないか」という方向に考えが向かっていきました。なので、このアイデアは、それまでの作風からの転換というか、やってこなかったことをやろうという考えから出てきたものです。

そしてアイデアが浮かんだその時に、とにかくサンプルとMIDIを使わないという制限を作って、その中で何かをやろうと思ったんです。正直なところ、まだ完全に自分のものになっているという感覚はないんですけど、この方法に切り替えてから出来上がるものはまったく別モノになりました。

Yunomi：Reasonを使っていた頃は、ソフトシンセ特有の"音自体は綺麗だけど、どこかプラスチックの皿のような質感"に物足りなさを感じていました。そのこともあって、デジタルで再現された音よりも、"本物"の音が鳴るアナログシンセの方が"音がいい"と思っていたんです。

ただ、今はアナログかデジタルかということ自体には、あまりこだわっていません。そのなかでLiveは、モジュラーシンセの演奏を録音して、聴き比べたり、音楽として構成したりする、編集者のような役割を担っています。

Yunomi：はい。モジュラーシンセを使い始めた当初は、何をしたらいいのか、そもそも何ができるのかもよくわかっていませんでした。仮に偶然かっこいいノイズができたとしても、それを自分の楽曲にどう活かせばいいのかもわからないというのが正直なところです。一度作った音をLiveに取り込んで、Drum Rackで切り刻んで楽曲の中に配置していく方法も試しましたが、それは自分が求めているやり方じゃないなという感覚がありました。

それでまず、Doepferのモジュールを中心に、4和音をMIDIで鳴らせるシステムを組んでみたんです。そこにドラムモジュールやリバーブ、エフェクトを少しずつ加えていって、過去にDAWだけで作った曲を、モジュラーシンセで再演奏してみました。そうやって手を動かしていくうちに、両方向から確かめることになりました。ひとつは、Mutable Instrumentsの物理モデリングモジュール「Elements」のようなデジタルのモジュールに、身体の動きや曲の空気に反応する変調を加えてみること。もうひとつは逆に、モジュラーで作ったフレーズをLiveに送り込んで、PianoteqやSWAMといった物理モデリングのソフトシンセを鳴らしてみることです。

Yunomi：結果はどちらも同じで、デジタルのモジュールでも、PCの中で動くソフトシンセでも、自分が求めていた質感になりました。そこで気づいたのが「大事なのはデジタルかアナログかという方式の違いではない。その音をどう動かし、他の音とどう関係させるか」ということです。だから今は、反応が自分にすぐ返ってくる環境を作ることに一番こだわっています。

Yunomi：モジュラーシンセとLiveを同期させるうえで、純正のCV Toolsは絶対に欠かせません。Live側で正確なタイミングを出しておいて、そこにモジュラー側で生まれる人間的な揺らぎを重ねる。そのために必要なんです。

Liveからモジュラーシンセへは、クロックとラン信号の2種類を送ります。CV Toolsに含まれるCV Clock Outというデバイスの、ClockとTransportという2つのアウトからの出力ですね。僕の場合は、オーディオインターフェイスからADATでモジュラーシンセ側に送っています。それを受けるのが、Expert SleepersのES-10というADATインタフェースで、ここからゲート信号などをモジュラー内に分配しています。

それとLiveから送られてくるのは、非常に正確なクロックです。ただ、その正確さのままモジュラーシンセを演奏すると、どうしても退屈になってしまう。そこで、受け取った信号をまずモジュラーシンセ内のクロックジェネレーターに通して、そこで人間的な揺らぎを加えます。そして、揺らいだクロックをドラムシーケンサーに渡し、そこで組んだパターンでドラムモジュールを鳴らす。最後にそれをLiveで録音する、という流れですね。

Yunomi：基本的なものはたくさん使っています。EQは絶対に入れますし、サイドチェーンでコンプレッションをかけたい時は、Compressorを使います。

ただ、最初のうちはモジュラーシンセの音をデジタル上でさらに加工することに抵抗がありました。音の純粋さが損なわれるような気がしたからです。でも今は、そこはあまり気にしていません。単純にいい音がするので、Glue Compressorなどもよく使っています。

Yunomi：Liveの一番の特徴は、セッションビューとアレンジメントビューを行き来しながら制作できることだと思っています。モジュラーシンセは、ある音を作っている途中で別の音を作りたくなったら、一旦パッチをバラして組み直さなければいけません。そうすると、さっきまで鳴っていた音はもう二度と出せなくなる。そういう一回性のものなんです。

だから、使うかどうかわからなくても、別のドラムパターンや別のBPMのパターンを、とりあえず録っておくんですね。そうした素材を、セッションビューのクリップに貯めていける。機能としては、そこが一番気に入っています。

曲をゼロから作る時も、最初は概ねセッションビューからスタートします。いきなりアレンジメントビューに書き込んでいくのは、よほど曲の構成が頭の中にできている時くらいです

Yunomi：今はPush 3とモジュラーシンセを組み合わせたセットを構築していますが、これを僕は「ハイブリッドセット」と呼んでいます。よく「ライブセットですか？ DJセットですか？」と聞かれるんですけど、どちらでもないなと思っているので、そう名づけました。

構造としては、完成した楽曲のボーカルやステムトラックを土台に置いて、その上でビートや音色、エフェクトをリアルタイムに組み替えていくという形になっています。

Yunomi：本当にいろいろと形を変えてきて、今の形に行き着きました。このスタイルを始めたのは今年からです。それまではラップトップを現場に持って行くこともありましたが、実際にはCDJを使ったプレイがほとんどでした。

ただ、完成したミックスをEQで削ったり調整したりするだけでは物足りなくなってきて。「ここでドラムが全部なくなったらどうなるかな」「ここでベースを抜いたらどうなるかな」とか、思いついたアイデアをその場で試したい。楽器や音の出し入れを、もっと柔軟に組み替えたい。そう思ったのが今のスタイルに至ったきっかけですね。

実際、このやり方だと完成した曲をそのまま再現するのではなく、楽曲の骨格は保ちつつも、その日の気分や演奏によって別の表情を与えていける。再現性と即興性を両立できるところが、本当に好きなポイントなんです。ある曲に別の曲のボーカルを乗せてみることもありますが、そういったことは偶然の思いつきから生まれることが多いですね。

Yunomi：モジュラーシンセを使うようになってから、不確実性は排除するものではなく、範囲を決めてその中でコントロールするものだと考えるようになりました。だから、意図しない結果が出てきても、その場で反応しながら音楽を組み立て直していく。その作業自体をライブの一部として捉えています。

そういう意味では、完全に予測不能な状態から始めるわけではないんですよね。あらかじめ曲の構造やボーカルなど、変えない部分はPushに残しておいて、その上でビートやフィルイン、エフェクトをモジュラーシンセで変化させるという形にしています。

というのも、自宅で制作している時は、CDJをほとんど触らないんですよ。シンセサイザーやLiveを触っている時間の方が圧倒的に長い。だからライブでも、CDJのプレイのモードに自分を切り替えるのではなく、いつもやっていることをそのまま外に持ち出したいと思っているんです。

ちなみに自宅で制作している時も、大体はビートから始めて、思いついたら上モノを乗せて、またビートに戻る。そうやって行き来しながら作っています。「違うな」「いいな」「これ入れよう」と判断しながら、いろいろな箇所を少しずつ作っていく。その流れそのものを、ライブとしてやれたらいいなと思っているんです。

Yunomi：既存のボーカルに新しいコード進行を与えて、モジュラーシンセ側でそのハーモニーを軸に音色を作る、という実験をずっと続けています。もともと僕は、電子音楽と日本語の歌をどう融合させるかを考えながら音楽を作ってきました。その制作を続けるなかで、感情を表現するには音色や音圧だけでなく、ハーモニーの動きが一番大事だと思うようになったんです。ただ、モジュラーシンセは音色やリズムにランダム性を加えることはできても、そのランダム性を保ったまま意図のあるコード進行を扱うのが難しい。最初は僕も、全然やり方がわかりませんでした。

それでまず、以前CDJでライブをやっていた頃の45分ほどのライブミックスから、ボーカルだけを抜き出してみたんです。そのボーカルに対して元の楽曲とは違うコード進行を与えて、そこから音を作るという実験ですね。その過程で出会ったのが、ACLのSinfonionというモジュールです。これはコード進行そのものをプログラムできるハードウェアのクオンタイザーで、これを使うことで、モジュラーシンセの複数の音源をひとつのコード進行に沿って制御できるようになりました。

これは、DAWで音を作る時とは考え方が根本的に違うんですよ。DAWだと、まずMIDIでコードやフレーズを打ち込んで、それに合う音色を考えるという順番になります。でもSinfonionを使うと、具体的なフレーズを決める前に、コードの流れだけが先にできあがっている。その上にどんなフレーズを乗せるかは、後から発見していくものになるんです。つまり、コード進行をMIDIデータとしてではなく、システム全体を動かす骨格として扱えるということですね。そこが面白くて、今もずっと続けています。

Yunomi：2023年ぐらいからですね。Sinfonionを手に入れたのがそのくらいでした。それ以前から「何も書かずに曲をやりたいな」という抽象的なイメージはあったんです。ノートを書かずに曲を演奏するにはどうしたらいいんだろうという、ふわっとしたモチベーションで始めました。

Yunomi：クオンタイザーは、いくつか試しました。そのなかでSinfonionが特殊なのは、コード進行そのものをプログラムできる点です。「このコードに対しては、この音が5度にあたる」といったスケール上のインターバルは、本来モジュラーシンセ側にはわからない情報なんですよ。Sinfonionは、そこまで含めて制御できるモジュールなんですね。セブンスを鳴らす／鳴らさない、サードを鳴らす／鳴らさないといったことも、ボタンで視覚的に決められます。

Yunomi：はい、ほとんどそうです。Sinfonionを使って、フレーズを決めずに歌に対して音を当てていくという作業ですね。不確実性がありつつも、ハーモニーは保たれていて、その上で歌える。そんな状態を目指しています。

Yunomi：僕はライブのセットを歌詞をもとに組むことが多いので、歌の流れそのものがすごく重要になります。その流れは、まずアレンジメントビューで組み立てていきます。アレンジメントビューには、ボーカルやドラムといったステムがトラックごとに並んでいます。そこに1曲目、2曲目、3曲目とズラーッと曲を並べていって、すべてのクリップの切れ目が縦一直線に揃うように編集するんです。

Yunomi：僕にとっては道具だと思っています。シンプルさと万能さを兼ね備えた、美しい道具ですね。アイデアが生まれた瞬間の勢いを止めずに、制作を前へ進めてくれる。ここで言う「美しい」というのは、見た目が綺麗だとか、シンプルでかっこいいということではありません。使うこと自体が、次の発想を生んでいくという意味です。

使っていると「もっと使いたい」という気持ちが湧いてきて、それがそのまま「もっと作りたい」につながっていく。Liveはシンプルでありながらいろいろなことができますし、操作の対応関係がとにかく明快です。だから、何かを作っている最中に、道具そのものを意識させられる時間がほとんどないんですね。

「こうやって作りなさい」と完成された方法を押しつけられて、マニュアル通りに進めるのではなく、使う人が自分の制作方法に合わせて環境を育てていける。部屋の家具を少しずつ、いい感じの位置に動かしていくような感覚です。自分が楽しいと思える状態へ少しずつ近づけていく余白がある。だからこそ美しいと、僕は思っています。

Yunomi：何かを作ろうと思った時に、その作り方を覚えること自体を最終的な目標にしない方がいいと考えています。大切なのは、自分が作っていて楽しいと感じられる瞬間を見つけることだと思うんです。

最初から自分に合った正しい制作環境を作ろうとするのではなく、制作を重ねながら、少しずつその形へ変えていけばいい。そうすると道具が体に馴染んできて、鳴っている音に対する反応が自然になってきます。そこまで来ると、その人固有の判断と、ハッピーアクシデント、つまり偶然とが結びついていく。最終的に、その人にしか作れない音楽はそこから生まれてくるのだと、僕は考えています。

文・インタビュー：Jun Fukunaga

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