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Neil Rolnick: A Sampler For The Ages

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Neil Rolnick: A Sampler For The Ages

Darius MilhaudとJohn Adamsの元で作曲を、(FMシンセシスを発明した)John Chowingの元でコンピューター音楽を学び、パリの(MaxMSPを生んだ)IRCAMでPierre Bouezと共に研究者として勤務したNeil Rolnickは、20世紀の近代音楽の多様な潮流に精通した人物だ。しかしながら、学問の世界に30年以上携わってきたRolnickの作曲とテクノロジーに対する見方は、学問的とはほど遠い。実験精神に溢れ生き生きとした彼の音楽は、時に極めて複雑ながらも決して威圧的ではなく、むしろとっつきやすくメロディックで(あえて言ってしまうと!?)口ずさめるほどだ。 音楽パフォーマンスにコンピューターを用いた最初の(70年代後半)一人であるRolnickは、デジタル・サンプリング、インタラクティブ・マルチメディア、ヴォーカル、室内・オーケストラ作品といった分野を網羅し、常に技術的に洗練された手法と、人間的要素のバランスを保ち続けてきた。多くの場合、彼の作品には生楽器、即興演奏、不変のリズム、そしてミュージシャンとマシンのリアルタイムな相互作用が含まれている。 多忙なNeil Rolnickと話す機会を得た私たちは、彼の作曲家、教師、技術者としての進化について聞いた。 あなたのキャリアを考えると、その間に音楽テクノロジーは劇的な変化を遂げました。ハードウエアからソフトウエアへの移行がもたらした、あなたの考える良い点と悪い点とは何ですか? まず最初の問題として、私は技術進歩の賛否を理論化することは非生産的だと思います。実践的な観点では、色んなことが変わった、それに合わせて自分も変わるか、置いていかれるか、のどちらかしかありません。 とはいえ、そこには双方のバランスを取る方法もあります。ソフトウエア・ツールは操作性という面で、BuchlaやMoogといったアナログ・シンセサイザーで8あるいは16ステップのシーケンスを組んでいた、あるいはテープ・ループを使って作曲していた1970年代前半には想像もつかなかったような、ある種の音楽的能力と柔軟性をもたらしてくれました。70年代後半にStanfordやIRCAMでリアルタイムではないコンピューター・シンセシスを使っていた頃と比較してもです。1980年代に「A Robert Johnson Sampler」を作曲した頃でさえ、各5~15秒しかサンプルを保存出来ませんでしたから… 個別のフレーズをサンプルし、ループするのが精一杯だったのです。それと比較すると、現在出来ることの可能性は規模が違います。作り手は、テクノロジーの可能性を越えて、それをさらに押し広げるような想像力を持たなければならなくなりました。 しかしその一方で、全てがソフトウエアに移行したことで、音楽制作は物理的な触れ合いをほとんど必要としなくなりました。再生ボタンを押すことは実に簡単です。でも、少なくとも私にとっては、音楽作りに身体的な関わりを持たなくなったことで何かが失われてしまった。ですから、私は全ての作品において、私自身が音楽に集中しそれを感じてプレイしなければいけない状態を作るようにしています。現在、ピアノとコンピューターのための新しい作品を作っているところで、二週間ほどで公開される予定になっていますが、毎日何時間も自分のパートを練習しています。まるで生楽器を演奏するかのように。アナログ時代は、同じようにケーブルやノブを使ってモジュラー・シンセを生演奏するために練習しなければなりませんでしたから。でも現在は、あえて自分にそれを課しているのです。 あなたの作品、「A Robert Johnson Sampler」がプラットフォームからプラットフォームへと’ポーティング’しても、本質的には同じままを保っているのはどうしてですか? 「A Robert Johnson Sampler」が、音楽的に、1987年と同じままを保っているという見方は興味深いですね。それは、私の音楽の作り方と関係しています。原則的に、私は作品のサウンドとアイディアを先に考えます。それをエレクトロニクスを使って実現するか、あるいは生楽器の演奏家のために書き出すかを考えることは、また別の作業です。確かに実演方法を考案している間に曲自体に対する考え方が変化することはあり得ますが… 曲自体はそのままです。ですから、実演方法が進化しても曲の聞こえ方が大きく変わっていないということは、新たなテクノロジーを起用しても、自分がやりたいことを達成できる段階まで使いこなせているということになります。新しい可能性を開拓するためにテクノロジーを試すことは、新しい作品を作る際にやることが多いですね… そして私はそれをやり続けている。 もともと「A Robert Johnson Sampler」を制作したMac Plus上のOpCodeシーケンサーとハードウエア・シンセとサンプラーという構成から、現在のLiveへのポーティングは、自分に自分が求めるサウンドを実現するにはどうしたらいいか、パフォーマンスに必要な相互作用を作り出すにはどうしたらいいか、を問う作業でした。最近になって、コントローラーとしてiPad上でLemurを使用し始めました。これによって、あらかじめデザインされたインターフェースに限定されることなく、パフォーマンスに必要不可欠な身体的な要素を持たせながら、それぞれの曲に最適なインターフェースをその場でイメージし直し、様々な音の可能性を模索することが出来ます。 あなたは先日、常勤の教師の仕事を退職されました。持てる時間を全て作曲に費やせるようになった今の心境はいかがですか? はい、確かに私は32年間務めたRensselaer Polytechnic Instituteの学部の仕事を終えました。でも実のところ、これまでもほぼフルタイムで作曲も行っていたのです… だからこそ、その間CD17枚分に及ぶ音楽を発表することが出来ました。それに、私の教育に対する姿勢は、生徒に生計を立てたり、家族や人間関係を築いたり、世の中に自分の居場所を見つけたりといった無数の層から成る日常生活の中で、いかに音楽制作に集中すればよいかを伝授することでした。自分自身がそれを実践していないと、人に教えることは出来ません。私が教えた音楽的・技術的なスキルは、アーティストとして生きること、アートまたは音楽を通していかに自分の言いたいことを伝えるかというより大きな課題への道筋でしかないのです。 とはいえ、大学の官僚主義からやっと解放された気分はとても爽快ですね。今でも朝6時に起きて作曲を開始し、複数のプロジェクトに関わっています。 それ以外では、自分の好きな音楽をマッシュアップするパフォーマンスを、現在のテクノロジーを使って実現する方法を模索し始めました。夏の間に、私が10歳か11歳の頃に初めて所有したLPの1枚だった、Everly Brothersの曲を二つ使ったマッシュアップ曲を作りました。これを8月からコンサートで演奏していますが、観客からの反響はとても良いです。この形態、あるいはアプローチは、私が1980年代後半から1990年代前半に特に集中的に従事していた、コンピューターの音楽制作方法でした。20年近く経ってから、またこの手法に戻って来ることは、とても興味深くエキサイティングでしたね… それに、自分が20年前よりもずっとしっかりと説得力を持ってコンピューターによるパフォーマンスが出来るようになったことを実感しました。それに、私の音楽、サンプリング、マッシュアップに対する考え方も確実に進歩しました。 それ以外では、現在はどんなことに携わっているんですか? 昨年の10月に、バイオリニストのTodd ReynoldsとAlan Piersonが指揮するAlarm Will Soundのメンバーたち、Nicole Paiementが指揮するサンフランシスコ音楽大学のNew Music Ensembleを迎えて作った新しいCD、『Gardening...

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Dark Synthを大活用 - Amazing Noisesのチュートリアルビデオ

Dark Synthは、加算合成の無限の可能性を直感的でフレキシブルなインターフェースにもたらす、非常に用途の広いシンセサイザーです。新しいビデオチュートリアルでは、Dark SynthのクリエイターであるAmazing NoisesのMaurizio Giriが、Dark Synthの数々の機能について説明しています。パーシャルの個別調整、さまざまなフィルターの使用、パラメーターのモジュレート方法を学べます。70年代のプログレッシブスタイルのシンセから、オルガン、フューチャーショックなサウンドデザインまで、Dark Synthは非常に優れたインストゥルメントです。 Ableton PackショップでDark Synthを見る

クリエイティビティに関する長編ドキュメンタリーをストリーミングで - ブライアン・イーノ、エリカ・バドゥ、リー・スクラッチ・ペリーなど

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クリエイティビティに関する長編ドキュメンタリーをストリーミングで - ブライアン・イーノ、エリカ・バドゥ、リー・スクラッチ・ペリーなど

音楽とは?音楽を生み出すインスピレーションとは?これらは結論の出ない問いであり、しばしば構造を持たない反応を引き出します。これほどまでに広範で魂を伴うものには、正しい答えも間違った答えも存在しません。 ニューヨークのRed Bull Music Academyの最新エディションで、クリエイティビティ豊かなベルリンのMindpirates所属の映像作家たちが有名アーティストへのインタビューを企画しました。こうして生まれたのが、長編ドキュメンタリー「What Difference Does It Make: A Film About Making Music(何が違うのか:音楽についての映画)」です。この映画には、Academyのイベント映像がちりばめられたブライアン・イーノ、エリカ・バドゥ、リー・スクラッチ・ペリー、ジョルジオ・モルダーなどのアーティストの核心に迫ったインタビューが収録されています。 RBMAはこの映像をストリーミング公開しています。下のリンクからご覧ください。 CDMのインタビューではメイキングの様子について知ることができます。

Liveとハードウェア・シンセを使用する - Mad ZachとDJ Tech Toolsのチュートリアル

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Liveとハードウェア・シンセを使用する - Mad ZachとDJ Tech Toolsのチュートリアル

Ableton Liveは、サードパーティ製ツールに対しても非常にオープンな環境です。Liveは、VSTとAudio Unitの両プラグイン、および幅広いオーディオ・インターフェースとMIDIコントローラーにも対応しています。Liveはまた、ハードウェア・シンセサイザーでのシーケンシング、レコーディング、オートメーション、エディットにもフレキシブルに対応するツールです。DJ Tech ToolsのMad Zachによるこのチュートリアルで詳しくご覧ください。 DJ Tech Toolsで詳しく見る

Liveでアンビエント・ギター - Rishabh Rajanのゴージャスな無償セットアップ

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Liveでアンビエント・ギター - Rishabh Rajanのゴージャスな無償セットアップ

弓はエレクトリック・ギターで使用するツールとしてはあまりメジャーではないかもしれませんが、レッド・ツェッペリンのサイケデリックなサウンドからシガー・ロスのそのままのテクスチャまで、実は弓弾きギターには豊かな歴史があります。この新ビデオでは、認定トレーナーRishabh Rajanが、エフェクトのセンド・チャンネル(一部は特定の周波数帯用)を含むLiveセットを通してエレクトリック・ギターのボウイング奏法を披露しています。 さらにRishabhは、このパフォーマンスに使用したLiveセットを公開しています。プロセッシング・ギター、シンセサイザー、その他アンビエントな美しさへと変化させたいあらゆるサウンドに最適です。 Liveセットをダウンロード

Dark Synth: 直感的な加算合成

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Dark Synth: 直感的な加算合成

加算合成という言葉に聞き覚えがなくても、その音をは耳にしたことがあるはずです。倍音の豊かなオルガンサウンド、ディープで強烈なベース、無調のパッドなど、加算合成は幅広いリッチなサウンドが作成可能な用途の広いテクニックです。 Amazing NoisesのDark Synthは、加算合成の莫大な可能性と直感的なインターフェースを組み合わせた、極めて先進的な新しいMax for Liveシンセサイザーです。サウンドシェイピングの優れたスターティングポイントとしてだけでなく、Dark Synthはサウンドデザインにまったく新しいアプローチを提供します。Dark Synthが動作する様子を下のビデオからご覧ください。 Dark Synthとその他のサウンド例について詳しくはPackショップをご覧ください。

Deferlow、ベースギターとLiveでオウテカとチャネリング

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Deferlow、ベースギターとLiveでオウテカとチャネリング

オウテカのマシンミュージックの名作「Cichli」にインスピレーションを受けたDeferlow(Abletonオースティン・ユーザー・グループのメンバーNate Crepeault)は、ベースギターのサウンドを使用した作品をリアルタイムで演奏しています。エレクトロアコースティックの解釈が展開される様子をその耳と目でご確認ください。

Borderland: Time Changes

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Borderland: Time Changes

Juan AtkinsとMoritz von Oswaldは共に、私たちがその後テクノとして認識することになった音楽を定義づけ、その可能性を広げる上で決定的な役割を果たしました。デトロイトとベルリンという、それぞれのホームタウンである二つの点を線で繋ぎ、彼らは3MBという名義で1993年に初めて共同制作をしています。それ以降、彼らは不朽の名作の数々を生み出してきました ― von OswaldはBaric Chennel、Maurizio、Ryhthm & Soundとして、Atkinsは個人名義及びModel 500として。彼らの新たなコラボレーション・プロジェクト、Borderland(エンジニアとしてMoritzの甥っ子であるLaurensも参加)は、まるで繊細な形状、空間、緊張感、テクスチャーが描き出す風景の中を、地中から響くベースとキックドラムの鼓動に押されて進んでいく、ひとつのトリップのようです。 私たちが昨年開催されたAtonal Festivalで映像に収めた彼らのパフォーマンスを、下のリンクからお楽しみ頂けます。さらに、彼ら3名のメンバー全員と、過去、現在、未来の音楽の作り方について話をしました。 Laurens von Oswald Borderlandのステージでは、あなたはミキシング・ボードとエフェクトを担当していました。スタジオ内でも同じ役割を担っていたのですか? 基本的にはそうです。私たちは、ステージ上でもスタジオ内でも、過去の手法をモダンなアプローチで採用しています ―― 要するに、ミキシング・ボードを重要な楽器のひとつとして捉えるということです。JuanとMoritzが演奏するシークエンスや楽器の音を処理し、最終的なミックスとして送り出すことが私の主な役割です。通常であれば会場のミキシング・エンジニアが担うことなので、少し変わったやり方ではありますが、私たちのやり方には通常とは異なる相互作用があるのです。 楽器としてのミキシング・ボード ―― この考え方には独自の伝統があります。ダブもテクノも、この考えから生まれたもの。Borderlandの他の二人のメンバーは、この両方の分野でよく知られた存在ですが、あなた自身の役割は、その伝統を受け継ぐことか、それとも脱却することだとお考えですか? 基本的には、私たちはライブをなるべくスタジオでのセッションに近づけることを重要視していました。それと同時に、それらは全く別物であるということも意識しなければいけませんでした。一定のテーマが流れるのに沿って、その場でそれに適したアイディアをプロデュースしていくこと。Borderlandの曲は、シークエンス、リズム、モチーフを丁寧に作り上げていく長いプロダクション・セッションによって出来ています。MoritzとJuanにとっては慣れたやり方で、おそらくModel 500の「Sonic Sunset」や「Starlight」も同じように作られたことでしょう。でもこのプロジェクトに関しては、お互いの最大公約数を見つけることが必要でした。ですから、伝統は確かにありますが ―― 脱却している部分もありますね。 L-R: Juan Atkins, Laurens von Oswald, Moritz von Oswald. Photo...

ベースラインに合う和音のメロディを作成する ― Ben MonoとProducertechによるチュートリアル

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ベースラインに合う和音のメロディを作成する ― Ben MonoとProducertechによるチュートリアル

トラックでの作業中、優れたベースラインが出来上がっているのに、いいメロディが生まれてこない場合は?ベースのグルーヴに合うメロディが必要な場合、同じシーケンスを使用するのはいかがでしょう。Producertechの新しいチュートリアルビデオでは、ベルリンを拠点に活動するBen Monoが、ベースのシーケンスとLiveのChordとScaleのMIDIエフェクトを使用してハウスなメロディを作成する方法を実演説明します。 Producertechのその他のLiveチュートリアルを見る

Hiawatha Blue:James Patrickと生徒たちによるコラボレーティブ・アルバム

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Hiawatha Blue:James Patrickと生徒たちによるコラボレーティブ・アルバム

長年にわたって、認定トレーナーJames Patrickは「ブルー・ライン」として知られるミネアポリスのハイアワサ・ライトレール・ラインを利用してきました。Institute of Production and Recording(IPR)の生徒とともに、Jamesは、ブルー・ラインのさまざまな駅で録られたフィールド録音をベースとするコラボレーティブ・アルバム「Hiawatha Blue」を構想しました。このアルバムは、現在無償でダウンロード可能です。Abletonは、この意欲的なプロジェクトについてJamesに話を聞きました。 「Hiawatha Blue」は、初めから生徒たちとのコラボレーティブなプロジェクトとして生まれたものだったのでしょうか? はい。中間試験の期間中、変化をもたらすにはどうしたらよいか考えていて、思いつきました。近々IPRを去ることが決まっていたので、在任の記念となる足跡を残したいと思いました。また、生徒たちからはとてつもないポジティブなエネルギーをいつも感じていました。このエネルギーこそが私の推進力と動力です。彼らのサウンドへの愛、それがエネルギーです。 フィールド録音で特に印象に残ったものはありますか? もちろんあります。ダウンタウンのファーマーズ・マーケットでは、口の悪い生粋の市民の議論する声や、彼らの腕の中で大声で泣いている子供たちの声を録音しました。バスや電車にいるドラッグ中毒者たちの目には、ブームマイクを担いで歩き回る19歳が奇妙に映ったことでしょう。ほとんど凍り付いた滝をよじ登って、端からほとばしる滴のサウンドを捉えたことや、テンポ変更やハーモニー間の遷移用に、アンビエントなメヌエットを構築したのも印象的でした。風や自然は、無調でありながら美しいソノリティにぴったりです。 アルバムの作曲プロセスにおけるあなたの役割はどのようなものでしたか? プロジェクトの全体的なコンセプトを生徒の手を借りながら構築しました。その後、実際の「アルバム」に含める重要なファクターを検討していきました。まず、私たちが着目したい、サウンドと音楽の世界における変化について考えることから始めました。私にとって、大きな不満は「アルバムの死」です。皆も賛成してくれたので、まとまりとしてアルバムという形態を採ろうということになりました。(ピンク・フロイドの)「狂気」といったアルバムに、私たちは皆、心を動かされたものでした。個々のトラックだけでは、あのような音楽体験を得ることはできなかったでしょう。そこで、この問題を解決しようと考えたのです。まず、各人の音楽スタイルとアーティストとしての方向性を挙げました。その後、それらを並び替え、このコンセプト・アルバムの全体的なイメージについて考えました。心をつかむアーク(物語の横糸)を構築し、ライト・レール・システムのマップに沿って並べていきました。そして、各生徒に駅を割り当て、カメラ、フィールド・レコーダーなど必要な機材を提供しました。 次に、プロジェクトの残り6週間の計画を立てました。ある生徒がこんなことを言ったのを覚えています。「1曲に6週間も?退屈!」私は笑ってしまいました。この彼の名誉のために話しておくと、最終的に彼は2作品とウェブサイトを作成し、プロジェクトのアシスタント・プロデューサーにもなりました。 それから、私はSSL 4000G+と最高のミックス/マスタリング・エンジニアBrian Jacobyをブッキングしました。結局、2週間を作曲と制作に、1週間を最終的な調整とグループ内のフィードバックに、1週間をミキシングに、1週間をマスタリングに、そして最後の週をA/Vパフォーマンスの組立に割り当てました。 公共の交通機関で移動中に聴いているお気に入りの音楽があれば教えていただけますか?「Hiawatha Blue」以外で何かありますか? そうですね。 アコースティックなら、 エリック・サティの「ジムノペディ」、ヤン・ティルセンの「アメリ」サウンドトラック。 エレクトロニックなら、 Rain Dogの「Two Words」、ISHOMEのすべての作品です。 Hiawatha Blueについての詳細とダウンロード

Winterparkの無償Rackとチュートリアル

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Winterparkの無償Rackとチュートリアル

Winterpark名義で活躍するミュージシャンMatt Ridgwayは、発掘したたくさんのチュートリアルと無償Packのダウンロードを彼のサイトで紹介しています。(ギターやPushを含む)数々の楽器を操るエレクトロニック・ミュージシャンであるMattのチュートリアルでは、Liveを使用したギター処理などの役立つトピックをカバーしています。 また、Mattのダウンロードには、MIDIコード・エフェクト、サンプル・インストゥルメントなどが含まれています。(シューゲイザーやドリーム・ポップで聞かれるような)美しくみずみずしいサウンドがお好みなら、Mattの作品をお楽しみいただけるに違いありません。 Winterparkサイトでさらに詳しく

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Liveでピッチビルド・エフェクトを作成 ― Lenny Kiserによる新チュートリアル

最も汎用で意外なサウンドほど、エフェクトを「誤った」方法で使用することから生まれることがよくあります。Liveのディレイ・エフェクトはすべてデジタルですが、[RePitch]モードを使用してディレイタイムを調整することで、アナログスタイルのサウンドを得ることができます。DJ Tech Toolsの新チュートリアルでは、認定トレーナーのLenny Kiserがこのエフェクトを使用してピッチビルドを作成する方法を説明します。 ビデオで使用されているLiveセットをDJ Tech Toolsからダウンロード Lenny Kiserのレッスン受講をご希望の方は、2月8日からサンフランシスコにて次回コースが開講されます。

Operatorで「Look At Me Now」 ー Dubspotの新チュートリアル

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Operatorで「Look At Me Now」 ー Dubspotの新チュートリアル

パーフェクトなタイミングのクラップ、ディープなベースライン、バスタ・ライムスの熱いバース ― これらすべての要素が絡み合い、「Look At Me Now」を魅力的なシングルにしています。しかしビートはいきいきとしたリード・シンセでなければなりません。それがトラックでDiploとFree SchoolとコラボレートしたAfrojackの手のかかったビートの特徴です。Dubspotの新チュートリアルでは、Adam PartridgeがOperatorを使用してこのシンセを(ピッチモジュレーションの細部に至るまで)再現します。 チュートリアルセットをDubspotからダウンロード

Minilogue:スタジオ・ジャム

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Minilogue:スタジオ・ジャム

スタジオでのMinilogue Abletonはスウェーデン人デュオMinilogueのクリエイティブ・ プロセスとスタジオ・ セットアップを紹介する特集記事を掲載しました。マルメ郊外の手つかずの自然に囲まれたスタジオにMinilogueを訪ねた際、彼らは「The Island of If」と、「swansong」 EP ( Cocoon)のスタジオ制作中でした。下のビデオでは、スタジオ・セッションから生まれた未収録の23分にわたるジャミング風景をご覧いただけます。 このビデオを取りあげていただいたFACT Magazineのスタッフの皆様ありがとうございました。 次のドキュメンタリー特集で、Minilogueについてさらに詳しく: Minilogue: 限りなくヒューマン Minilogue: セットアップ

Quantize CoursesのBeat Repeatガイド

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Quantize CoursesのBeat Repeatガイド

LiveのBeat Repeat Beat Repeatは極めてパワフルなエフェクトです。長いループ、短いスタッター、面白いピッチ・エフェクトなどを扱えます。認定トレーナーのKeith MillsによるQuantize Coursesのチュートリアルでは、Beat Repeatのさまざまな機能が総合的に説明されています。下のビデオを見て、スタッター、ロール、ラッシュをマスターしましょう。 ループ、スタッター、ピッチ・エフェクトを違った形で使用するヒントをお探しですか?Max for LiveのBuffer Shufflerについてさらに詳しく