Battles:The Art of Repetition

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Battles:The Art of Repetition

ニューヨーク・シティをベースに活動するトリオBattlesは、これまでに2枚のアルバムと多数のEPをリリースし、その過程において複雑で推進力に満ちた音楽はますます洗練度を高め、その精度は羨望のレベルに到達しています。近々リリースとなるアルバム『La Di Da Di』はこのプロセスの延長となるもので、バンドはこれを「反復のモノリスがキノコのように増殖し…一定に留まることを拒否する、ほとんど無限のループのオーガニックなテクノ・スラム」と説明しています。 美しい詩のように私たちの耳に響くこの言葉。Battlesのミニドキュメンタリー『The Art of Repetition』をご紹介できることに、私たちも興奮を隠せません。ビデオでは、トリオのリハーサル・スペースを訪問し、新アルバムのトラック制作を行っているロードアイランドのスタジオや、強烈なライブ・パフォーマンスを魅せるドイツでのステージに同行しています。その中で、バンドのセットアップ、ユニークな作曲メソッド、そしてなによりも、バンドを前進させるそれぞれのメンバーの強い個性を細部までうかがい知ることができました。まずは『The Art of Repetition』をご覧いただき、その後バンドのギタリスト、キーボーディスト、PushプレーヤーであるIan Williamsのインタビューをお読みください。Ian Williams、ループについて語るループ・テクニックはもう長いこと使用されているのですか? 前のバンド、Don Caballeroにいた頃にループ・テクニックを使用し始めました。バンドにはギタリストが2名いたのですが、残りのメンバーがバンドを辞めてしまって、「予定に入っているギグ、どうしよう…」ということになって。そのときAkai Headrushのことを知って―98年くらいだったと思いますが―それがきっかけでした。2002年にBattlesを始めたときも、ループを使った試みを続けていました。元のアイデアは、初期のEPを聴くと分かるのですが、ループを使ってよりシンプルな形に分断するという手法で、ババババという短音をつま弾くようなサウンドをたくさん使用しており、ビッグで劇的な複雑さはありませんでした。それがJohn Stanierの演奏するドラム―いくらかミニマルでクリスプな演奏―にマッチしていました。Ableton Liveを使用するようになったのはその後です。私にとって、それは私がやろうとしていたことの延長にある、ロジカルな選択でした。 Battlesの1994年のEP C『ras 2』 とはいえ、あなたのサウンドは時としてかなり複雑です。結果にご自身が驚くということはよくあるのでしょうか?創作のプロセスを不可解なものにする一種の能力のようなものを楽しんでいます。ソフトウェアでは、新しいプラグインに出会い、チェーンに加えることで、プロセスにランダムな要素を加えることができ、先が読めなくなります。また、Pushでは、異なるスケールを選択したり、キーを固定にするかしないかなどさまざまな要素を選択できます。思いがけず不慣れで新しい状況に出くわすことで、再発見することができます。ペダルから離れてAbleton Liveに移行した理由は、Liveならある意味ペダルづくし、ペダルまみれになることができるからです。デジタル領域なので、次から次へとループし続けることができ、非常にたくさんのバリエーションを作成することができます。特に気に入っているループ・テクニックはありますか?サンプルをリサンプリングして独創性を出すのが好きです。たとえば、1つのオーディオ・ループを3つのトラック上で3つのクリップ・スロットにリレコーディングして、この3つのクリップ・スロット内でスタート・ポイントから再生できます。これが気に入っていて、この手法でたくさんのループを作成しています。まるでDJがビートジャグリングを行っているように聞こえますが、実はスピーカーをオン/オフするトリックと同じに過ぎません。3つのループ間(3つのトラック上にあるのはまったく同じサンプルです)を行き来して、そのスタート・ポイントが少しだけずれていると、すごくクールなダンス・リズムが生まれます。こうやってどんどん進めていくわけです。そしてさらに無数のプラグインを加えることができる。ライブで手持ちのクリップにこのテクニックを使用してみることをおすすめします。テクノロジーがバンドで中心的な役割を果たしていることにより生じる問題はありますか?テクノロジーが問題を生むことも、確かにあります。90年代にバンドで演奏を始めた頃、ツアーに出ていることが多くて、毎晩メンバーと過ごしていましたが、当時は新しい機材やコンピューターなどが氾濫する前で、いつもギター、ベース、ドラムの毎回単調なステージに飽きを感じ始めていました。ですから、テクノロジーがこうやって刺激を与えてくれて、私たちを新しい状況に置いてくれたのはうれしいことです。ただし、同時に孤立化も進みました。誰しも経験があると思います。クールなサウンドで先進的な音楽を聴こうとライブに行くと、ステージにはラップトップと1名のアーティストだけで、これなら家にいてステレオで音楽聴いていれば良かったな、と思ったことが。つまりテクノロジーには長所と短所がありますが、今の課題はあの親近感をどうにかして取り戻すことだと思います。これこそ、私たち皆が取り組んでいる問題です。 Battlesについて詳しくは、FacebookおよびWarp Recordsをご覧ください。Battlesライブについては、ツアー日程をご覧ください。

Loop:ミュージック・メイカーのためのサミット

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Loop:ミュージック・メイカーのためのサミット

Loopに参加しませんか ― Loopは、10月30日から11月1日までの日程でベルリンにて開催されるミュージック・メイカーのためのサミットです。世界各国から集まる400名の多種多様なミュージック・メイカーが、3日間にわたってパフォーマンス、トーク、インタラクティブ・ワークショップを行い、最先端の音楽、クリエイティビティ、テクノロジーについてのアイデアを交換します。Loopは、新しいアイデアについての共同研究、新テクノロジーの獲得、クリエイティブ・ツールの知識の研鑽、他の参加者からのインスピレーションの獲得を目的としています。トーク、パネル、ワークショップは日中に開催 Loopでは、Matthew Herbert、Robert Henke、Holly Herndon、Young Guru、Arca、Oneohtrix Point Never、Team Supreme、Daniel Miller、その他多数のアーティストによるトークやディスカッションに参加できます。James Holden、Electric Indigo、King Britt、Antye Greie-Ripatti、Jace Clayton、Dennis DeSantis、Money Markなどが参加するパネル・ディスカッションとテック・トークは、音楽、クリエイティビティ、テクノロジーの分野に関する幅広いトピックを扱います。参加者には、複数のアーティスト、デベロッパー、テクノロジスト、エデュケーターが導く楽器ハック、クリエイティブなマインドセット、インタラクティブな音楽制作テクノロジーなどを取り上げたハンズオン・ワークショップに参加する機会も与えられます。夜はコンサートとパフォーマンスを堪能 Loopの昼間プログラムに加えて、Abletonはベルリンを拠点とするエレクトロニック、デジタル、エクスペリメンタル・ミュージックとサウンド・カルチャーに捧げられたフェスティバル、CTM - Festival for Adventurous Music and Artと提携し、夜のプログラムを開催します。AbletonとCTMは共同で昼間プログラムのテーマと主旨を反映した一連のコンサートとパフォーマンスを提供します。プログラムは今後拡大 もちろん、Loopで開催されるプログラムはこれだけではありません。今後も順次追加拡大される予定です。Loop参加アーティスト、アクティビティ・スケジュール、ロケーションについて詳しくは各リンクをご覧ください。 チケット購入 Loop参加チケットは今すぐ購入申込が可能です。参加可能人数に制限があるため、チケット購入は抽選となります。チケット価格は250ユーロ(18~25歳のミュージック・メイカー向けチケット価格は100ユーロ)です。こちらのフォームにご記入の上、8月7日までにお申し込みください。申込資格は、音楽制作に関わりのあるすべての方に与えられます。作品の内容に関する制約はありませんが、実際に音楽制作を行っている方に限ります。また、健全かつ多様な音楽テクノロジー・コミュニティに対するAbletonのビジョンに合致するよう、グループの年齢および性別はバランスのとれたミックスとなるよう調整されます。注:トーク、プレゼンテーション、パネル・ディスカッション、ワークショップはすべて英語のみとなります。

Electric Indigo:ジャンルを超えたサウンド

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Electric Indigo:ジャンルを超えたサウンド

「これはジャンルについてだけではなく、世代についてでもあります」Susanne Kirchmayrは、Heroines of Sound Festivalについてこう語っています。「そして、それはより重要な意味をもつのです」Electric Indigo名義によるDJと制作で知られるKirchmayrは、エレクトロニック・ミュージックの試行の最先端にいる女性による革新を讃えるイベントの重要性について見解を述べるにぴったりの人物です。ベルリンとイスタンブールで開催されたこれまでのフェスティバルでパフォーマンスを披露し、3回目となる今回のフェスティバルのラインナップにもその名を連ねています。そのコメントは、Kirchmayr自身にも当てはまるものです。ウィーンのエレクトロニック・ミュージック・シーンを1980年代後半から牽引してきたKirchmayrは、ヒップホップやファンク、さまざまなカラーのテクノ、実験的なエレクトロニック・ミュージック、最先端のサウンド・アートとさまざまなジャンルを通過してきました。クラブやフェスティバルの招聘アーティストの常連であり、またサウンド・デザインにおける時空間的操作を探求する作曲プロジェクトや学際分野に携わるほか、デジタル・ネットワークおよび支援プラットフォームfemale:pressureの創設者でもあります。Heroines of Soundで最新作『109.47』を発表するKirchmayrに、グラニュラー・シンセシスの綿密なプロセスの詳細、彼女の長いキャリアがひとつの連続したつながりの一部であると説明するその理由について話を聞きました。Heroines of Sound 2014では『Morpheme』のパフォーマンスを披露されましたが、これは哲学者セイディー・プラントのスピーチのサンプルが核となっています。『109.47』にも同様に生まれたサウンドが使用されているのでしょうか?はい、ベーシックな素材として2つのソースを使用しています。ひとつはバロックオルガンで、手動でストップを半分だけ引き出してあるので息をするときのような音になっています。ストップが中途半端な状態にされているので、時折すっかり引き出されたり押し込まれたりされることがあり、それが作品内にクリックノイズとして現れています。もうひとつは、いろいろな物体を使用して、グランドピアノの木の部分や弦の部分を叩いた音です。これらのサウンド・ソースはどちらも非常にトラディショナルな音ですが、これをコンテンポラリなものに変化させるというのがアイデアにありました。作品作りに使用したツールは何ですか?Robert Henkeの Granulator IIと、Michael Norrisの SoundMagic Spectral、特にGrain Streamerと呼ばれるデバイスです。また、Spectral FreezingとSpectral DroneMakerも使用しました。『109.47』の抜粋の0:40~1:20部分では波の音のようなアンビエントが消えていきます。この部分がどのように生まれたかについて、少し詳しくお聞かせください。この作品はピアノ弦をピチカートでつま弾いた音を加工したサウンドから作成し、その後同じファイルを2種類の方法でグラニュラー加工しました。比較的グレインサイズが大きいので、スキャン設定をかなり極端な値にしても、サウンドの元のテクスチャが識別できます。サンプル全体は22秒で、グレインセクションはサンプルを+3000%でスキャンします。これだけですでにかなり特徴的になりますが、このサウンドに最も特徴的な効果はスペクトルをフリーズすることで、これでとげとげしい風変わりなサウンドになります。ここは、この作品のデモを聴かせた人たちの反応が一番よかったパートです。マルチチャンネル・サラウンド設定を試行錯誤したことで、このパートよりも、深海のようなドローン・サウンドの方がよりイマーシブになりました。オーディエンスやこの作品に対する理想的な設定や空間について何か具体的なアイデアはありますか?マルチチャンネル作品にはもちろん最適なリスニング・ポジションというものがあるので、コンサートを最高に楽しめるよう、できる限り自分がスイートスポットにいられるようにしています(笑)。真面目な話、ほとんどの場合オーディエンスのほとんどに空間的体験を提供できるようなセットアップを構築できています。サウンドの動きというより、大きく広がる空間を感じることができると思います。じっくり聴き入るタイプの作品なので、オーディエンスから大きな反応を得るということはあまりないのですが、パフォーマーとして、オーディエンスが夢中になっているかどうかは分かります。姿勢や、アイコンタクト、身振りなどで、オーディエンスが興味を持っているのか、魅力を感じているのかどうかが判別できるのです。ボディ・ランゲージから手がかりを得るというところに、DJイングと似ているところがありますね。ダンスフロアが満杯で大声を上げていれば、ずっと簡単に分かりますよね(笑)。これまでのすべてのプロジェクトの共存についてはどのようにお考えですか?すべて同じ分野に属するものだと思います。DJイングとまったく違ったものに感じられるかもしれませんが、私がDJイングで気に入っていたのはドラムンベースでしたから。最近はリズミカルでない音楽も作りますが、サウンドへの愛ははじめから変わっていません。テクノ・ミュージシャンの多くにも同じことが言えると思います。彼らはソングライターというよりもサウンド・デザイナーなのです。特定のサウンドをどのようにして実現するか、スペクトルと空間または空間とタイムラインの両方においてどのサウンドを置くべきか、これがテクノ・ミュージシャンの思考回路なのです。そこからある種のアヴァンギャルドなエレクトロアコースティック・ミュージックが生まれることはあっても。とはいえ、理解されにくいのは私にも分かります。1980年代に同じ経験をしましたから。私はファンク、ジャズ、ヒップホップDJからスタートしてテクノに転向したのですが、ウィーンではほとんど理解されませんでした。なぜかって、彼らにとってテクノとはファシストのマシン・ミュージックのようなものでしたから(笑)。彼らにとってはテクノはファンクの真逆にあるものでしたが、私にとって、ファンクとヒップホップの本質がそれでした。まだ未達成というチャレンジは?一番の課題は、最高にクールなテクノ・トラックを生み出すことですね(笑)。ループ・ミュージックで成功を収めることはできないみたいでが、少なくとも私がこれまで行ったDJのほとんどはループ・ミュージックがベースです。どうなんでしょうね、ひとつのアイデアで7分間持たせるという構成が私には難しいみたいです。実験的なサウンドや緩い構成により満足感を感じるのです。 Susanne Kirchmayrは、Abletonによるミュージック・メイカーのためのサミットLoopに参加します。Electric Indigoについて詳しくは、ウェブサイトをご覧ください。

Holly Herndon:愛の新しい形

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Holly Herndon:愛の新しい形

自身の作品と、異なる分野のアーティストの作品との間に興味深い結びつきを生み出すことのできるミュージシャンは希少です。音楽という領域を越えて、自身のイメージアップのための単なるジェスチャーとしてではなく、現実社会の問題に関与するミュージシャンとなるとさらにまれです。美的興味と政治的道義のバランスを取ることに成功しているアーティストのひとりが、Holly Herndonです。だからこそ、私たちは近年の彼女の活躍を喜ばしく感じています。最新アルバム『Platform』で、Herndonの圧倒のエレクトロニクスと幾重にもレイヤーされたボーカル・テクスチャは、これまで同様机上の規範やクラブのセオリーを回避しつつ、音楽以外の世界からもたらされたいくつかのラジカルなアイデアを組み込むことに成功しています。選択するコラボレーター、ビデオのイメージ、作品が扱うテーマを通して、Herndonは、文化的批評、未来の理想形、エレクトロニック・ミュージックのポテンシャルという点を結び、説得力のある全体像を作り上げています。 今回のHolly Herndonのロング・インタビューでは、エキサイティングなこれらのテーマに加えて、制作プロセス、独時のボーカル使用方法、興味深いASMRの世界について話を聞きました。 『Platform』のトラックの多くは、個別に識別可能な多数のサウンド要素と、ソングごとに独立したサウンド「イベント」から構成されています。この密度はどのようにして生まれたのでしょうか?私のライティング/制作は非常にプロセス・ベースで、過程において素材を生み出す面白い方法を探し出し、たくさんの素材を生成して、編集を加えてトラックを作り上げていきます。また、リミックスもかなり行います。何かを書いたら、それを細かく切り刻んで、リミックスして別の何かを生み出すのです。面白いことに、自分の作品のリミックスは大好きなのですが、他のアーティストの作品のリミックスは好きではありません。Interference, by Holly Herndonトラックのアレンジやエディットの傾向についてお話しいただけますか?ミキシングは、作曲やアレンジのプロセス後、またはプロセスとは独立して行われますか?それとも、同じプロセスの一部として?幅はもちろんありますが、多くの場合、ボーカル・パッチやパーカッション・システムなど特定のプロセスからスタートします。残り火から炎を作り上げる感じです。初期の段階でボーカルの表現と全体的なパレットを固めておくのが好きなのですが、主要なリズム・セクションは何度も書き直します。たとえば、トラックのBPM、ドラム・パターン、スイングが当初とまったく異なるものになるということはよくあります。「これ、ジャングルだったらどんな感じだろう…?あれ、元のヒップホップのスイング・ビートよりこっちの方が断然いいじゃない」といった感じですね。昔は、トラックをうまくまとめるのにかなりの時間をかけていました。おさまりが良くて分かりやすい曲にしなければいけないとプレッシャーを感じていたんです。でも、時間が経つにつれて、プレッシャーはすっかり消えてしまいました。持っている時間の90%を興味深い作業に費やした後、ふいに自信がなくなって、最後のハードルでそれをダメにしてしまうようなこともなくはありません。一定のジャンルにうまくはまる作品を作れば、自信を保つことは簡単です。何十年もの間認知されてきたジャンルに迎合したいという衝動を無視するのはとても大変なことだと思います。面白いことに、つい最近、初期の作品を聴いていて、あのときの私に今の知識があればよかったのに、と思ったことがありました。アイデアのいくつかは本当にクレイジーなものなのですが。ミックスはいつも最後に、だいたいMark Pistelと一緒に行うのですが、彼は私がセッションに持ち込む膨大な数のトラックの扱いがとても巧みなんです。ミックスもマスタリングも自分でこなすアーティストもいて、それはそれですばらしいと思うのですが、私は自分の作品とあまりにも長い時間を過ごしていろんなバージョンを耳にしてきているので、私の耳をクリアにしてくれるフレッシュな意見が必要なのです。このアルバムには、バラエティ豊かなボイスとボーカル・サウンドが使用されています。ボーカル素材に適用するテクニックや加工でお気に入りのものについてお聞かせいただけますか? 声は私の作品にとって重要なものです。私が構築する人工的な環境において、いかに歌声に生気を与えるか、その方法を模索するのが好きです。それはつまり、ボーカルを最前面に出して他とは別個の存在として扱うという一般的なポップ向けのミキシングを行わないことを意味します。これを受け付けない人もいますが、私にとっては、これこそ、テクノロジーへの自分のアプローチ、つまりテクノロジーは私たちに結び付けられ組み込まれてた私たちの一部であるという考えを具現化するものなのです。 年月を重ねるにつれて培ってきたテクニックがいくつかあり、それは環境によってそれぞれ異なります。SkypeやYoutube、その他ラップトップ上で瞬間的に録音したボイスを使用したり、他のボーカリストを登用したりするようになりました。他の人の声を扱うのはとても楽しいです。それぞれの独自性をもたらす特性を見つけ出すのが面白いですね。『Platform』には多数のコラボレーターがフィーチャーされていますが、全員が専業のミュージシャンというわけではありません。コラボレーターのアイデアや貢献により得られた、単独では実現しえなかったであろうものは何だと思いますか?どのコラボレーターも、私ひとりでは考えつかなかったであろうユニークなアイデアをもたらしてくれました。Mat Dryhurstは、コンセプチュアルな厳密さ、ユニークな制作テクニック、細部にわたる知識を提供してくれました。Metahavenは、この作品に非常に大きな影響を与えた政治的切迫感、視覚的言語、概念的フレームワークをもたらしてくれました。コラボレーション・トラックのひとつ『Lonely At The Top』には、「ASMRのアンバサダー」Claire Tolanの声がフィーチャーされています。この曲が生まれた経緯と、曲のシナリオの意味についてお聞かせください。ASMRに興味を持ったのは、ネットでこの情報に触れ、人々がオンラインで有意義かつフィジカルにつながる方法だという点に魅力を感じたのがきっかけです。人々がこういったビデオを公開し、ときには匿名で、そして多くの場合無償で互いに癒やしを与えているということがとても素敵で、興味深いことだと思いました。私のパートナーがClaireにTransmedialeで出会い、そのつてで紹介してもらいました。彼女はベルリンでASMRのラジオ番組を担当しているので、この分野について尋ねるのに最適だと思ったのです。私たちは、ASMRの美学を反映させたサウンドプレイを作成しつつ、語り口を人口の1%に向けた批判にしたいと考えました。この記事には、富裕層が、自分たちをその富だけでなく与えられた機会をも得るにふさわしい存在であり、あたかも自分たちが豊かになる遺伝子を持つ存在であると考えているということが書かれてあります。これは、この世界が直面しているおぞましい不均衡を理解し、鏡に映った自分の姿を直視するための一種の対処メカニズムなのです。そこで、選ばれし者たちであると思い込んでいるこの人々に対するASMRのセラピー・セッションを作成すれば面白いと私たちは考えました。人々に現在の力構造を継続させている責任を取らせる必要があると考えたのです。ここでは具体的にこの1%の人々をターゲットとしていますが、私たち全員、少なからずこの状況に対して責任があります。このことは、ClaireがFaderのインタビューで鋭く指摘しています。「もちろん、対処メカニズムと特権の正当化に関するこの研究は、私たち全員にある程度当てはまるものです。私たちの生活には、こういった超富裕層の「連鎖」と同じモデルで生み出されたダブルバインドがあふれているのです」この作品をエロティックなものと感じる人もいれば、ミソジニー(女性蔑視)に対する批判と捉える人もいるでしょう。しかし実際のところは、特定のジェンダーを意識したものではありません。今後一緒に仕事をしてみたいと思う、尊敬するアーティストは誰ですか?たくさんいます!マイケル・スタイプと仕事をしてみたいですね。彼は南部出身で、とても独特な声の持ち主です。今後の南部のサウンドがどのようなものになるのか興味があります。チャイナ・ミエヴィルも好きです。彼の著作は非常に音質的に豊かだと思います。彼の作品のサウンドトラックを制作したり、一緒にシナリオを書けたらいいなと思います。Metahavenデザイン・スタジオとのコラボレーションで制作された『Interference』のビデオのイメージとテキストは、個人的および政治的もつれについて取り上げているように思えます。『Chorus』と『Home』は、システマチックな監視に対する個人の脆弱性の問題を扱っています。今回の新作アルバムは、ご自身の政治的道義における進化と、それを表明することに対するより強い意欲を表すものなのでしょうか?最近の最も強い関心事は何ですか?また、こういった事柄は、あなたの音楽そしてアーティストとしての生活にどのように影響を与えていますか? Holly Herndon – “Home” このアルバムは、間違いなく私の政治的道義の進化といえるでしょう。まさにおっしゃるとおりです。Metahavenはこの考えに大きな影響を与えています。彼らは第二波フェミニズム運動のスローガン「The Personal is Political」(女性の抑圧は個人的な問題ではなく、政治的な問題である)を、より現代に即した「The Personal is Geopolitical」(個人的な問題ではなく地政学的な問題である)と変更しました。私たちの世代は、ジェンダーと人種の不平等、所得格差、環境問題、政府の行き過ぎなど、おびただしい量の問題に直面しています。『Platform』の背景にあるアイデアは、特定の処方箋を出すことではありません。それはともすると責任逃れになりかねません。Benedict Singletonはしばしばプラットフォーム構築の必要性について語っています。アルバムのタイトルはここからインスピレーションを得ました。ファースト・アルバム『Movement』のリリース時、ツアー・アーティスト/ミュージシャンのグループに招かれました。すばらしい名誉で、今でもとても感謝しています。ここ数年間で気付いたのは、フェスティバル/パフォーマンス/イベントは、コンテンツやキュレーションという観点からだけではなく、現実からの逃避を提供しているという点でも非常に似通っているということです。この衝動を理解し、時として楽しむこともある一方で、逃避をデザインするのではなく、現代の状況からの脱出をデザインするとしたらどうなるのだろうと考えるようになりました。この考えは、理論家Suhail Malikに大きく影響を受けています。彼は現代芸術の循環構造からの出口戦略について書いています。これは、批評としての優れた機能を持ちながらも、なぜか現代芸術自体の構造への漸進的変化(バインドにつながる)として現れることはありません。芸術作品、音楽、コンサートが、私たちが逃れようとしている人生の一部に分に代わるものに関係しているとしたらどうでしょう?それが無味乾燥で退屈なものである必要はありません。熱狂的できらびやかなものであるかもしれないし、そうであって欲しいものです。私は、人々が現在の地平線を越えた人生を思い描くための新しいファンタジーを生み出す役割を、音楽が果たすことができるのではないかと考えています。愛の新しい形、生きることの新しい形です。人々がその作品で言及するすばらしい音楽の多くは、こういった種類の環境や変化を得ようと奮闘してきましたが、それでも私は時々、こういった作品からきっかけとなるサウンドを得ることに喜びを感じる一方で、私たちは、これらの文化、新しい可能性やアーキタイプの背後にある真の論点をつかみ損なうという危険にさらされているのではないかと心配になります。自分が自分の作品でどれだけのことができるかについて現実離れした考えは持っていませんが、機会があるうちにそれを活かして、私の活動のあらゆる側面でこれらの対話や実験をスタートさせるつもりです。誰かがこれらに興味を抱くことを期待してはいませんが、私には興味深いことなのです。Holly Herndonについて詳しくは、ウェブサイトをご覧ください。

Live 9.2がリリース

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Live 9.2がリリース

Ableton Live 9.2が公開されました。この無償アップデートにはLiveおよびPushの主要な機能向上と機能追加が含まれており、Live 9をご所有のお客様全員に対してダウンロード配布中です。新機能について詳しくは以下をお読みください。 レイテンシー補正 Live 9.2には、レイテンシー関連の機能向上がいくつか追加されています。Max for Liveデバイスやサードパーティ製プラグインのレイテンシーがさらに低下。また、オートメーションがレイテンシー補正に対応しました。ワープ機能の向上、Tuner、Max 7など Live 9.2では、Liveのオーディオ・ワーピング・エンジンにいくつかの機能向上が追加されています。[Complex]モードおよび[Complex Pro]モードでのトランジェントはよりパンチのあるものになり、強拍検出機能は向上し、ワーピングはより正確になりました。新しい[選択対象をワープ]コマンドでは、サンプルの選択部分を指定の小節長さにワープさせることができます。その他数々の機能向上に加えて、Live 9.2では新たに便利なデバイスTunerが追加されたほか、Max for Liveは最新かつ最もパワフルなMaxバージョン、Max 7をベースとしています。 LiveツアーPushの64パッド・モード、無償Pack Live 9.2では、64パッドすべてを使用してドラムをプレイできるようになりました。また、ステップ・シーケンシング用に16パッドにすばやく切り替えることもできます。すぐに使い始められるよう、64パッド・モードがもたらす機能を最大限に活用できる無償Packをご用意。Rack5つ分に匹敵するハイクオリティのドラム、パーカッション、ループ、ワンショットのサンプルを提供します。64 Pad Labは、Pushをご所有のお客様だけでなく、Liveユーザーも見逃せない無償Packです。64 Pad Lab無償PackをダウンロードMad Zachが64 Pad Lab Packを解説 64 Pad Lab PackはたぐいまれなフィンガードラマーMad Zachが手がけており、彼のPushパフォーマンス・ビデオを見れば、64パッド・モードでのPushの可能性が一目瞭然となることでしょう。新作ビデオの中で、Mad Zachは64パッド・レイアウトでのプレイの方策、個々のサウンドの微調整、パンチのあるドラム・サウンドを得るための制作におけるヒントを、64 Pad Lab Packをベースに紹介しています。Pushの機能がさらに向上 Live 9.2では、Pushパッドのアフタータッチ機能が向上し、Liveの主要ライブラリ・サウンドの多くにアフタータッチ機能が追加されています。さらに、Pushのタッチストリップをモジュレーション・ホイール・コントロールおよびピッチ・ベンドに使用できるようになりました。Live 9.2は、Live 9をご所有のお客様全員に対してダウンロード配布中です。Live 9.2リリースノートを読む

ZenPad Waterworx Packで、アクアティックなサウンド・デザインを体験

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ZenPad Waterworx Packで、アクアティックなサウンド・デザインを体験

河川、海、滝、湖の雰囲気にインスパイアされたEarthMomentsの最新Live Packは、400を超えるワンショット・サンプルとループから構成されており、流れる水のヴァイブを作品に使用したいプロデューサーやサウンド・デザイナーに最適です。心をつかむギターのライン、レインドラムのリズム、アンビエンス、流れるようなシンセのアルペジオなど、ZenPad Waterworxは、水中で録音されたパーカッション・サウンドのセレクションを提供します。特殊な水中マイクを使用してキャプチャされた美しい音色と奇妙なレゾナンスが、独創的で多様なこのサウンド・コレクションの特徴です。ZenPad Waterworx by EarthMomentsの詳細と無償デモ版のダウンロードはこちらから。